Публикации

10 лет статусу "Стейнвей" ДШИ им. Н.А. Римского-Корсакова

Ровно 10 лет назад, в 2009 году Детской школе искусств имени Н.А. Римского-Корсакова был присвоен высокий статус «Аll-Steinway School».

Это событие было торжественно отмечено юбилейным концертом 20 ноября 2019 года. В программе юбилейного вечера приняли участие самые разные исполнители - от учащихся, выпускников, преподавателей и концертмейстеров ДШИ им. Н.А. Римского-Корсакова до приглашенных гостей из содружества школ «Аll-Steinway School». В их число вошли Александр Доронин (преподаватель Заслуженный артист РФ Хохлов М.С., МССМШ (колледж) им. Гнесиных) и Егор Арзамаскин (преподаватель Филимонова Г.В., ДШИ им. И.Ф. Стравинского).

«Концерт для рояля с историей в трех частях» погрузил всех зрителей в атмосферу фортепианного искусства: вдохновенные рассказы о рояле, о братьях Стейнвеях, о развитии компании "Steinway & Sons" надолго останутся в памяти зрителей.

Мы выражаем огромную благодарность артистическому директору компании "Steinway & Sons" в России Ирине Алексеевне Бариновой за личное участие в мероприятии и за предоставленные памятные подарки. Также выражаем глубокую признательность школам-побратимам, носящим статус «Школа Стейнвей», которые откликнулись на наше приглашение: МССМШ (колледж) им. Гнесиных в лице директора Михаила Сергеевича Хохлова и ДШИ им. И.Ф. Стравинского в лице директора Натальи Михайловны Карташевой.

Особые слова благодарности выражаем нашим родителям без которых не проходит ни одно мероприятие школы Галине Коломенской, Екатерине Деньковой, Лилии Лалаян и Александру Юрьевичу Кувичкину.

 





 


 

Мастер классы Сергея Кузнецова

В Представительстве Steinway&Sons в России состоялись мастер - классы Доцента МГК имени П.И. Чайковского Сергея Кузнецова, для педагогов специального фортепиано московских школ, организованные Дирекцией образовательных программ города Москвы.

 



 


 

Фортепианные мастер-классы в Галерее Стейнвей

14 и 15 сентября в Московской Галерее Стейнвей прошли мастер-классы по фортепиано.

Мероприятие состоялось в рамках открытого музыкального фестиваля «Красногорск музыкальный» под руководством Заслуженного Артиста России, профессора Российской Академии музыки им.Гнесиных, Артиста Стейнвей Юрия Богданова.

Год от года состав участников фестиваля увеличивается, расширяется его география.

В этот раз уроки мастерства давали выдающиеся пианисты с мировым именем:

преподаватель Музыкальной Академии в Загребе (Хорватия) Ловре Марушич, профессор Высшей школы музыки в Каталонии Рафаэль Салинас, доцент кафедры специального фортепиано Белорусской Государственной академии музыки Сергей Микулик, заслуженный работник культуры Российской Федерации, преподаватель МССМШ им.Гнесиных Елена Берёзкина и сам Юрий Богданов.

Показать свои достижения в освоении фортепианной игры приехали ученики не только из соседней Москвы, но и из Санкт-Петербурга, Ижевска, Красноярска, Азербайджана.

Отдельных слов признательности удостоились компания Steinway & Sons и коллектив компании-дилера ООО «СТАРТ-ВЕСТ-94» за неоценимый вклад в дело популяризации фортепианного искусства.

 




 


 

Легендарный производитель роялей Steinway & Sons, выпустил приставку Spirio/R , позволяющую музыкантам записывать свои собственные живые выступления.

Каждый рояль с приставкой Spirio/R поставляется с iPad и приложением, которое позволяет пользователям записывать, воспроизводить и редактировать свои произведения в собственном аудиоформате Steinway с высоким разрешением.

С новейшей моделью Spirio/R владельцы не ограничиваются предварительно записанными произведениями. Музыканты могут записывать, а затем редактировать свою музыку прямо в прилагаемом приложении для iPad. Приложение для Spirio/R включает в себя возможность изменять скорость и продолжительность ноты, исправлять неправильные ноты, изменять данные педалей, а также удалять или добавлять паузы. Владельцы также могут сохранять и делиться своими записями в формате MIDI, MP3 и собственном формате Spirio в высоком разрешении, что является дополнительным преимуществом для профессиональных музыкантов, которые используют инструмент в качестве инструмента записи.

 




 


 

LANG LANG BLACK DIAMOND – рояльный идеал XXI века.

Во все времена любители музыки по отношению к музыкальным инструментам делились на две части – на умеющих играть на музыкальных инструментах, и на тех, кто играть не умел.

И в то время, когда музыканты совершенствовали своё мастерство, покупали, заказывали или даже изобретали музыкальные инструменты, неиграющие любители музыки посещали концерты, отслеживали музыкальную моду и приобретали, например, музыкальные шкатулки.

Новый рояль Steinway & Sons LANG LANG BLACK DIAMOND – настоящее открытие и для тех, и для других. Поскольку в этом инструменте сочетаются и великолепные исполнительские свойства, оценённые многими поколениями пианистов по всему миру, и уникальные возможности записи и воспроизведения музыки.

Звук роялей Steinway & Sons обусловленный уникальными изобретениями, защищёнными более, чем 100 патентами, давно признан эталоном фортепианного звучания.

А рояль LANG LANG BLACK DIAMOND, к тому же, оснащён интегрированной системой звуковоспроизведения и записи Spirio | r, которая позволяет не только проигрывать, но и записывать новые произведения на данном инструменте, в том настроении, и в той неповторимой манере, которая будет угодна исполнителю. Уникальное программное обеспечение позволяет передавать и фиксировать движения рояльной механики со стопроцентной достоверностью.

Иными словами, с роялем LANG LANG BLACK DIAMOND выдающийся артист может, без преувеличения, войти желанным гостем в каждый дом. А любой любитель музыки может превратить свою гостиную в престижный концертный зал.

А кроме того, LANG LANG BLACK DIAMOND – потрясающе красив!


 



 
 

LANG LANG BLACK DIAMOND это

название новой ограниченной серии роялей от производителя лучших в мире фортепиано – компании Steinway & Sons.

Само название – Black Diamond – подчёркивает редкость и изыск новой серии, ведь, как известно, чёрный бриллиант – камень чрезвычайно редкий. Все когда-либо добытые и известные естественные чёрные алмазы получены из одного единственного месторождения, и более нигде в мире не встречаются.

Учёные спорят о происхождении алмазов столь необычного оттенка, но на данный момент самой популярной является теория о внеземном происхождении чёрных алмазов – считается, что они образовались при падении и последующем взрыве очень крупного метеорита. Иными словами, каждый чёрный бриллиант – без преувеличения, подарок небес.

Не менее значимым для любителей фортепианной музыки является и появление LANG LANG BLACK DIAMOND – «чёрного бриллианта» в короне Steinway & Sons.

Воистину вселенский масштаб и значение этому событию придаёт непосредственное участие в разработке рояля таких звёзд, как пианист Ланг Ланг (Lang Lang) и икона американского дизайна – Дакота Джексон (Dakota Jackson).

Каждый из них, в сотрудничестве с инженерами компании Steinway & Sons вложил свой труд в производство нового рояля.

Ну, а нам, любителями фортепианной музыки и ценителям инструментов компании Steinway & Sons, остаётся лишь восхищаться и наслаждаться неземными звуками и игрой света на гранях чёрного бриллианта – LANG LANG BLACK DIAMOND.

 



 
 

LANG LANG BLACK DIAMOND – это красиво.

Новая ограниченная серия роялей – это не просто очередная попытка визуализировать стенвеевское представление о «лучшем в мире фортепиано». Это выведение самого понятия «рояль» на новый уровень.

Steinway & Sons LANG LANG BLACK DIAMOND – это прорыв от утилитарности музыкального инструмента к значимости предмета, как произведения искусства.

Каждая грань и плоскость этого рояля, созданные по эскизам известного американского дизайнера Дакоты Джексона (Dakota Jackson), отражают движение и страсть, настраивают на восприятие чего-то необычного, раскрывают душу навстречу впечатлениям. Рояль создавался компанией Steinway & Sons совместно с пианистом-виртуозом Артистом Стейнвей Ланг Лангом (Lang Lang). И, по словам художника, его задачей было именно создать архитектуру нового инструмента, максимально отобразив музыкальную индивидуальность артиста.

Один лишь взгляд на рояль LANG LANG BLACK DIAMOND позволяет сказать – ему это удалось.
Рояль LANG LANG BLACK DIAMOND – сам по себе воплощённая музыка.



 





 
 

Что такое LANG LANG BLACK DIAMOND?

Это строго ограниченная серия роялей Steinway & Sons, созданная компанией Steinway & Sons в сотрудничестве с пианистом-виртуозом Ланг Лангом (Lang Lang) и известным американским дизайнером Дакотой Джексоном (Dakota Jackson).

В серию Lang Lang Black Diamond входит 88 роялей модели B-211 – ровно по числу клавиш рояля. И дополнительно – 8 роялей модели D-274 с изысканной отделкой макассарским эбеном.

Про D-274 любителям фортепианной музыки, кажется, уже не нужно ничего объяснять – этот рояль давно и прочно обосновался практически на всех престижнейших концертных площадках по всему миру.

Девятифутовый цельнокорпусный рояль, наиболее полно воплощающий в себе лучшие разработки компании за полтора века, является флагманом стейнвеевского производства и признанным эталоном фортепианного звучания.

9 из 10 профессиональных концертирующих пианистов предпочитают играть на роялях Steinway & Sons D-274.

Макассарский эбен является одним из видов черного дерева. Иногда его называют «огненным эбеном» из-за сочетания чёрных и светло-коричневых полос, создающих впечатление сполохов огня.

Полосатая текстура каждого куска этого дерева уникальна, как отпечатки пальцев. Так что, любой инструмент, оформленный макассаром, воистину имеет собственное неповторимое «лицо».

Но главное, всё-таки – голос. Звук рояля Steinway & Sons, который со временем ничего не теряет, лишь приобретает всё больше и больше новых поклонников и ценителей.

И который теперь стало возможно записать и сохранить с помощью революционной системы звуковоспроизведения и записи – Spirio | r.



 






 

 

 

LANG LANG BLACK DIAMOND ЭТО

- новая серия роялей Steinway & Sons Limited Edition, разработанная при непосредственном участии выдающегося пианиста, Артиста Стейнвей Ланг Ланга (Lang Lang);

- уникальный проект дизайнера Дакоты Джексона, сочетающий классические традиции искромётными акцентами в духе постмодернизма;

- материалы, высочайшего качества, специально отобранные по всему миру сотрудниками компании Steinway & Sons, и технологии, с помощью которых эти материалы в течении года превращаются в лучшие музыкальные инструменты всех времён;

- интегрированная в каждый инструмент серии Lang Lang BLACK DIAMOND революционная система звуковопроизведения и записи Spirio | r, способная превратить любой дом в престижнейший концертный зал, а скромного музыканта любителя показать всему миру.

И, наконец, это – самый лучший в мире фортепианный звук, признаваемый эталонным многими поколениями музыкантов и слушателей на протяжении вот уже более полутора столетий.



 



 
 

LANG LANG BLACK DIAMOND – новая вершина пианостроения от Steinway & Sons.


Новый рояль Steinway & Sons Lang Lang Black Diamond был разработан компанией Steinway & Sons при непосредственном участии всемирно известного пианиста – Артиста Стейнвей Ланг Ланга.


Ограниченная серия LANG LANG BLACK DIAMOND включает всего 88 роялей модели B-211 выполненных в традиционном чёрном цвете, и 8 инструментов модели D-274 с отделкой макассарским эбеном.


По меткому замечанию художника Дакоты Джексона, разработавшего дизайн рояля Black Diamond, в этом инструменте визуально воплощается великолепие звука роялей Steinway & Sons, его стремление в бесконечность.


Обводы корпуса, грани, пересекающиеся под острыми углами, заставляют свет играть многочисленными отражениями и бликами. Точёные ножки, словно колонны древнего храма с капителями в форме бриллианта, причудливо изогнутый штиц и крышка необычной формы настраивают на ожидание чуда. Кажется, ещё немного – и рояль заиграет и зазвучит сам по себе.


И это не только возможно, но даже гарантировано с новой системой звуковоспроизведения и записи Spirio | r, интегрированной в каждый инструмент серии Black Diamond.


 






 
 

Чёрный бриллиант из сокровищницы Стейнвей


«Так звёзды сошлись» - говорим мы, когда происходит что-то необычное или значительное. Выпуск нового рояля ограниченной серии Steinway & Sons Black Diamond («Чёрный бриллиант») – как раз такой случай.


В новом рояле, разработанном компанией Steinway & Sons, сочетается полуторавековой опыт фортепианостроения Steinway, новейшие цифровые технологии, воплощённые в уникальной системе записи и воспроизведения звука Spirio | r, оригинальный дизайн утончённого художника Дакоты Джексона, и непревзойдённое мастерство всемирно известного пианиста – Артиста Стейнвей Ланг Ланга. Участие художника и пианиста заверено памятной табличкой и личной подписью Ланг Ланга, факсимильно воспроизведённой на внутренней стороне клавиатурного клапа.


Подобно опытному ювелиру, компания Steinway & Sons раз за разом находит изысканнейшую оправу драгоценному звуку своих роялей, каждый из которых являет собой истинное сокровище.


 





 
 

25 июня 1935 года родился Михаил Сергеевич Воскресенский, талантливый пианист и педагог, Артист Стейнвей.

Начал учиться музыке в возрасте 4 лет дома. В 1949 году поступил в Московское музыкальное училище им. М. М. Ипполитова-Иванова, где учился по классу фортепиано у И. Р. Клячко.
В 1953 году поступил в Московскую консерваторию по классу фортепиано, с 1958 года — аспирант консерватории. Учился у известных советских пианистов и педагогов Я. И. Мильштейна и Л. Н. Оборина.

С 1959 года преподает в Московской консерватории сначала в качестве ассистента Л. Н. Оборина, затем с 1976 года — профессора. С 2007 года заведует кафедрой специального фортепиано.
Профессор воспитал много талантливых учеников:
Е. Кузнецова, С. Иголинский, В. Папян, О. Маршев, Э. Воронцова, М. Яновицкий, Ю. Мартынов, К. Пак, Я. Касман, Е. Месснер, Т. Ержанов, А. Гиндин, К. Маслюк, С. Кудряков, А. Набиулин, А. Тебенихин, С. Кузнецов, В. Юницкий, Э. Карпухова, А. Ямамото, С. Соболев и другие.
В разных консерваториях мира работают профессора — ученики Воскресенского. Среди них: Е. Лапицкая (Берлин), Э. Оганесян (Париж), Ф. Чибирова (Мехико), Т. Постникова (Севилья), С. Осипенко (Ростов-на-Дону), А. Паршин (Москва), Е.Кузнецова (Москва) и другие.
Концерты студентов класса Воскресенского ежегодно (два раза в семестр) проходят в Малом и Рахманиновском залах Московской консерватории, лучшие студенты участвуют в кафедральных концертах, а также в выездных концертах в городах страны и за рубежом.
Маэстро регулярно проводит мастер-классы в Токийском университете Toho Gakuen School of Music, являясь там приглашенным профессором, а также дает мастер-классы во многих музыкальных учебных заведениях мира (Джульярдская школа, Кертис-институт, Берлинская высшая школа музыки и т. д.).

"Моё старое фортепиано Steinway, 1912 года рождения, было и остается моим самым близким другом на протяжении всей моей жизни. Я всегда счастлив, когда прикасаюсь к роялю Steinway в любом концертном зале в разных уголках мира, потому что на Steinway артисты могут иметь максимальную свободу самовыражения!” 25 июня 2011 года.
 





 
 

Итальянский композитор, пианист, Артист Стейнвей, дирижёр и музыкальный педагог Ферруччо Бенвенуто Бузони родился 1 апреля 1866 года на севере Италии, в Тосканской области в городке Эмполи, в семье кларнетиста и пианистки. Родители мальчика занимались концертной деятельностью и вели скитальческую жизнь, которую пришлось разделить и ребенку.

Отец был первым и весьма придирчивым педагогом будущего виртуоза. «Отец мой мало понимал в фортепианной игре и вдобавок был нетверд в ритме, но возмещал эти недостатки совершенно неописуемой энергией, строгостью и педантичностью. Он был в состоянии просиживать возле меня по четыре часа в день, контролируя каждую ноту и каждый палец. При этом не могло быть и речи о какой-либо поблажке, отдыхе или малейшей невнимательности с его стороны.»

Ориентируя Ферруччо на моцартовский путь, отец заставил семилетнего мальчугана начать публичные выступления. Это случилось в 1873 году в Триесте. 8 февраля 1876 года Ферруччо дал в Вене первый самостоятельный концерт.

Через пять дней в газете «Neue Freie Presse» появилась обстоятельная рецензия Эдуарда Ганслика. Австрийский критик отмечал «блестящий успех» и «необыкновенные способности» мальчика, выделяющие его из толпы тех «чудо-детей», «у которых чудо кончается вместе с детством». «Уже давно, — писал рецензент, — ни один вундеркинд не вызывал у меня такой симпатии, как маленький Ферруччо Бузони. И именно потому, что в нем так мало от вундеркинда и, напротив, много от хорошего музыканта... Он играет свежо, естественно, с тем нелегко определимым, но сразу очевидным музыкальным чутьем, благодаря которому везде находятся верный темп, верные акценты, схватывается дух ритма, в полифонических эпизодах ясно выделяются голоса... »

Спустя несколько лет он был представлен в Вене Листу, Брамсу и Антону Рубинштейну. 12-летний Бузони некоторое время учился в Граце у Вильгельма Майера и представил здесь «Stabat Mater» собственного сочинения. С 1888 г. началась преподавательская карьера Бузони. Сперва он работал в Гельсингфорсе, где занимался, в частности, с Яном Сибелиусом.

В 1890 г. Бузони перебрался в Москву, где принял участие в Первом Рубинштейновском конкурсе и получил на нём первую премию как композитор. В 1891—1894 гг. жил и работал в Бостоне. Параллельно педагогической деятельности Бузони сочинял музыку и концертировал как пианист.

С 1894 г. Бузони жил, главным образом, в Берлине. Как пианист и прежде всего как дирижёр он выступал пропагандистом новой музыки, исполняя произведения Бартока, Шёнберга, Сибелиуса (особой известностью пользовался цикл оркестровых концертов 1902—1909 гг.). В 1907 г. Бузони опубликовал небольшой трактат «Эскиз новой эстетики музыкального искусства» (нем. Entwurf einer neuen Asthetik der Tonkunst, русский перевод опубликован в 1912 г.), совершивший революцию в музыкальной мысли. В этом своём труде Бузони настаивал на том, что единственный критерий качества музыки — её «самость», несводимость ни к каким другим видам искусства (в связи с чем, в частности, отказывал в праве на существование «программной музыке»). Бузони настаивал на возвращение в музыкальную практику обильной импровизации, на отказе от традиционной гармонии и системы интервалов (привычные мажор и минор он считал бессмысленными оковами), на использовании возможностей электричества в звукоизвлечении. «Свободным родилось музыкальное искусство, и удел его — стать свободным».

Алексеев отмечает талант Бузони-импровизатора: «Бузони отстаивал творческую свободу интерпретатора, считал, что нотация призвана лишь «закрепить импровизацию» и что исполнитель должен освободиться от «окаменелости знаков», «привести их в движение». В своей концертной практике он нередко менял текст сочинений, играл их по существу в собственной редакции.

Бузони был исключительным виртуозом, продолжившим и развившим традиции виртуозно-колористического пианизма Листа. Владея в равной мере всеми видами фортепианной техники, он поражал слушателей блеском исполнения, чеканной отделкой и энергией звучания пальцевых пассажей, двойных нот и октав в быстрейших темпах. Особенно привлекала внимание необычайная красочность его звуковой палитры, вобравшая в себя, казалось, богатейшие тембры симфонического оркестра и органа... »

В своём оригинальном творчестве Бузони в значительной степени выступал с подытоживанием пути, пройденного академической музыкой до него.

Среди авторов, чьи произведения так или иначе — от прямых цитат до следования общему духу и строю музыки — использованы Бузони в своем творчестве, такие разные фигуры, как Моцарт, Паганини, Бизе, Лист. Такой подход был для Бузони принципиальным: в «Эскизе новой эстетики музыкального искусства» он писал о том, что для создания новой музыки необходимо извлечь квинтэссенцию из музыкальной культуры прошлого.

В духе позднего романтизма Бузони тяготел в своём творчестве к композициям большого масштаба и большой технической сложности. Так, его фортепианный концерт (1904) длится около 70 минут, игру солиста сопровождает оркестр максимального состава, а в последней части должен вступать спрятанный до времени от слушателей хор.

Бузони — автор трёх опер: «Выбор невесты» (нем. Die Brautwahl; 1911, по Гофману), «Турандот» и «Арлекино» (обе 1917). Над четвёртой, «Доктором Фаустом», он начал работать в 1916 г., но завершить не успел. Опера была закончена учеником Бузони Филиппом Ярнахом по оставшимся рукописям и наброскам; в 1980-е гг. исследователь творчества Бузони Энтони Бомонт предложил другое завершение, принимающее во внимание и те нотные рукописи Бузони, которые Ярнаху не были доступны. К «Доктору Фаусту» примыкает также выделенное в отдельный опус оркестровое сочинение Бузони «Сарабанда и шествие».

Бузони часто выступал как редактор и публикатор музыки других композиторов. В наибольшей степени он проявил себя как публикатор Баха, причём достаточно активно воздействовавший на оригинальную партитуру: в изданном Бузони (при участии его учеников Эгона Петри и Бруно Муджеллини) полном собрании клавирных пьес Баха расставлены темпы, фразировки, развёрнутые предложения по интерпретации (вплоть до обозначения возможных сокращений при концертном исполнении). Бузони также публиковал партитуры Бетховена, Шопена, Шумана, Брамса, Листа и др.

Бузони прожил всего 58 лет, но успел оставить творческое наследие, достойное двух жизней.

В память о Бузони в Больцано с 1949 г. проводится ежегодный конкурс пианистов.

 






 
 

Генри Стейнвей

5 марта 1853 года в Нью-Йорке немецкий иммигрант Генри Стейнвей основал компанию Steinway & Sons, которая сегодня является одним из старейших и крупнейших производителей музыкальных инструментов.


 



 
 

Леди Гага начала первый из девяти джазовых и фортепианных ангажементов своей резиденции в Лас-Вегасе в Театре «Парк MGM» в воскресенье вечером со специальным гостевым появлением Тони Беннетта, которое не могло быть более подходящим.

«Вы знаете этого парня: когда все называли меня бродягой, он называл меня леди. Мы любим тебя, Тони», - сказала Гага, представляя своего 92-летнего партнера по дуэту. Они, обнявшись, прохаживались, пока звучали “Lady is a Tramp” и “Cheek to Cheek”.

Судя по впечатлению премьеры, программа «Jazz & Piano engagements» Гаги будут более сдержанными, нежели стартовавшая в конце прошлого месяца программа ENIGMA, с ее авангардной поп-музыкой. Вместе эти два шоу уравновешивают дух нового и старого Лас-Вегаса.

Артистка высокого класса очаровала аудиторию двумя часами джазовой классики и хитами из Великого американского песенника и новым звучанием четырех ее самых популярных песен, включая "Paparazzi", "Born this Way" и "Bad Romance."

«Я думаю, это потрясающе. Как замечательно, что я пою свою собственную музыку и джаз в Лас-Вегасе».

Вечер был наполнен джазовыми жестами, остроумными колкостями, чечёткой, морем сверкающих блесток, сменой костюмов и париков, а также интроспективными моментами за роялем. В оркестре раскачивались более чем дюжина труб, включая трубача Брайана Ньюмана, и дюжина струнных, в то время как сцена была создана как клуб с четырьмя столами, вмещающими восьмерых гостей, которые покупали Супер-VIP концертные пакеты.

Джазовая аранжировка акцентировала текст так, как поп-версия не делает, позволяя аудитории узнать ее как лирика, благодаря ее работе с Беннеттом.

Исполняя "Poker Face", Она показала, что истинный смысл песни, не имеет ничего общего с азартными играми.

«Вы должны знать, что было написано для того, как экспериментировать и творчески подходить к музыке. Джаз - это нечто особенное. Это непредсказуемо", - сказала она, выкрикивая имена великих исполнителей, которые были до нее: Билли Холидей, Этта Джеймс и Дайна Вашингтон.

Четыре образа Гаги: черное платье с блестками, серебряное платье со стразами с длинной белой накидкой марабу, бархатный топ без бретелек с черными бархатными перчатками и красной накидкой, а также черно-белый смокинг со съемной юбкой - помогли ей сыграть роль Дивы джаз-клуба.

До выхода на бис с песней "New York, New York", которую Гага также исполнила на концерте «Sinatra 100» в Wynn Las Vegas в 2015 году, она посвятила голубым глазам Беннетта песню "Fly Me To the Moon". –«Тони, это качает», - сказала она. Его ответ был: «Да, это качает».

С 24 января по 2 февраля будут продолжаться концерты программы Enigma, затем 3 февраля всё завершится ещё одним концертом Jazz & Piano. Эти программы были специально разработаны для шоу в 2019 году в её Театре «Парк MGM».
 







 
 

28 января 1887года в Лодзи родился Артур Рубинштейн, выдающийся пианист, Артист Стейнвей, проживший долгую, плодотворную жизнь, 87 лет из 95 он отдал фортепиано!

В три года он, по собственной инициативе, сел за фортепиано, купленное для старшей сестры, и с этого момента для него не было большей радости, чем играть на любимом инструменте. С четырех лет мальчик участвовал в благотворительных концертах, а в 7 лет дал уже самостоятельную программу, после чего брал уроки у Л. Ружицкого в Варшаве. Спустя год родители отвезли его в Берлин. Он стал учеником Р.-М. Брейтхаупта, затем занимался у профессора X. Барта, изучал теорию у Р. Кана и М. Бруха. Здесь же в 1897 году мальчик впервые выступил перед "большой публикой", сыграв Концерт ля мажор Моцарта с оркестром, руководимым самим Иоахимом. Успех был грандиозный, ему пришлось бисировать. Он начал одну из "Песен без слов" Мендельсона, но сбился и сымпровизировал целую пьесу; строгий учитель вместо того, чтобы отчитать мальчишку, обнял и расцеловал его... Так началась концертная деятельность, становившаяся с каждым годом все более интенсивной. Занятия вскоре пришлось оставить; хотя впоследствии юноша еще некоторое время брал у
роки у И. Падеревского, но фактически с 16 лет был предоставлен самому себе. Один за другим следовали концерты в Польше, Германии, Франции, Англии, России. В 1906 году он дебютирует в нью-йоркском зале "Карнеги-холл".

После окончания первой мировой войны артист продолжает широкую концертную деятельность. Поселившись в Париже, он много выступает в Европе и Америке, пользуется неплохой репутацией у публики, но все же до подлинной славы крупного художника ему было далеко.

Женившись в 1932 году на дочери своего друга Эмиля Млынарского - Анеле, которая стала его верной спутницей на всю жизнь, он на некоторое время удалился от публики, уединился в горах Швейцарии и начал наверстывать упущенное, занимаясь помногу часов в день. И когда артист снова появился на эстраде, перед слушателями раскрылся новый Рубинштейн - артист безграничной музыкальности, огромного обаяния, захватывающей вдохновенности.

Все качества, покорявшие теперь аудиторию,- неповторимая трепетность звука, безошибочное чувство формы, "полетная" техника были в нем, конечно, и раньше, но только теперь смогли по-настоящему вырваться наружу, пронизать его искусство, бесконечно раздвинуть его художественные возможности и его репертуар.

И снова начались бесчисленные гастроли по всему свету, на сей раз неизменно умножавшие его триумф.

В 1946 году он принял американское гражданство и вновь начал выступать с концертами по всему миру как солист и в ансамбле с Яшей Хейфецем, Григорием Пятигорским, Генриком Шерингом, Квартетом имени Гварнери и многими другими выдающимися музыкантами.

Гастроли Артура Рубинштейна в СССР в 1964 году произвели ошеломляющее впечатление. Поначалу молодежь была настроена скептически: чего можно ожидать от исполнителя в возрасте 77 лет? Однако, как высказался тогда музыкальный критик Г. Коган, „опасения оказались неосновательными. Перед нами предстал увлекательнейший пианист, полностью сохранивший свою «форму» — не только свежесть и чуткость восприятия, но и изумительный виртуозный аппарат, юношеский огонь, энтузиастическую влюбленность в музыку“.

Пианист сделал более 200 записей, в том числе антологии фортепианной музыки Шопена и всех фортепианных концертов Бетховена. Неиссякаемая энергия позволила Рубинштейну накануне своего 90-летия, уже частично потеряв зрение, записать фортепианные концерты Брамса и Бетховена (с оркестром Концертгебау под управлением Бернарда Хайтинка), Грига, Шопена и Сен-Санса (с Лондонским филармоническим оркестром под управлением Андре Превина). Рубинштейн — десятикратный обладатель премии «Грэмми» за исполнение классических произведений. За выдающиеся заслуги ему была присуждена Премия Леони Соннинг за 1971 год, золотая медаль Королевского филармонического общества в Лондоне, Медаль Свободы США и другие награды.

В честь Рубинштейна в 1974 году в Израиле был учреждён Международный конкурс пианистов его имени. До последних лет своей жизни музыкант оказывал активную поддержку молодым талантливым музыкантам (в их числе Франсуа Рене Дюшабль, Кристиан Цимерман, Даниэль Баренбойм и др.), а также помогал развитию музыкального образования в Израиле. Последний концерт Рубинштейна состоялся 31 мая 1976 года в Лондоне, за три года до того там же вышла в свет первая часть его автобиографии «Мои юные годы», а в 1980 году — вторая часть «Мои долгие годы».

Рубинштейн умер в Женеве, не дожив чуть больше месяца до своего 96-летия.

 

























 
 
 

27 января 1937 года родился пианист-виртуоз, Артист Стейнвей и Композитор Джон Эндрю Огдон.

В 1945 году начал обучаться по классу фортепиано в Манчестерском музыкальном колледже. Увлёкшись впоследствии композицией, он вошёл в состав сообщества «Новая музыка Манчестера», куда также входили Харрисон Бёрдуистл, Питер Максвелл Дэвис, Александр Гёр и другие молодые музыканты. В этот период Огдон часто исполняет их музыку, а также свои собственные сочинения, совершенствуется как пианист под руководством Клода Биггса, Ричарда Холла, Майры Хесс и Эгона Петри.

Впервые он заявил о себе в 1958 году, когда, заменив заболевшего солиста на концерте в Ливерпуле, блестяще исполнил Второй фортепианный концерт Брамса. Через год впервые выступил с сольным концертом в Лондоне, продемонстрировав выдающееся мастерство и оригинальность творческих взглядов. В 1960 ему присуждены премии на конкурсах имени Бузони и имени Листа, но настоящее мировое признание пришло к нему в 1962, когда он выиграл Второй Конкурс имени Чайковского, разделив первую премию с Владимиром Ашкенази. Как отмечала обозревавшая конкурс Софья Хентова, Огдон — музыкант с пылкой, богатой и оригинальной фантазией. Он слышит всё по-своему, освещая, как и Клайберн, давно известные сочинения новым светом. Каждая интонация полна живого смысла. Не сковывая себя заранее заданными схемами, он свободно творит на эстраде.

Репертуар Огдона был очень обширен. Уже прославившись как выдающийся интерпретатор музыки классицизма и романтизма, он начал включать в свои концерты редко исполнявшиеся сочинения Алькана, Листа, Бузони, а также композиторов XX века, многие из которых в его исполнении прозвучали впервые. Столь широкому творческому кругозору помогала, в частности, способность пианиста почти мгновенно, «с листа» воспринимать текст произведения. Несмотря на отсутствие каких бы то ни было «лишних» движений при игре, исполнение Огдона отличалось огромными динамическими градациями, блестящей виртуозностью, жизненной силой. Помимо сольных выступлений Огдон также часто играл как камерный музыкант. Нельзя, в частности, не отметить заслуг артиста в пропаганде музыки своих соотечественников.

Но при этом часто трудно отделаться от мысли, что такая универсальность переходит во всеядность. Не успевая выучить произведение, пианист нередко играет на эстраде по нотам; растет процент технического брака - несыгранные ноты и фразы, фальшивые и просто лишние звуки, темповые и динамические вольности. Прежде склонность к колористическим эффектам не мешала раскрываться многогранности его натуры; со временем критики стали подмечать, что "во имя проникновения в какой-то звук особого тембра он способен забыть, что этот один звук - лишь деталь более крупной конструкции". Некоторые эпизоды артист пробегает "скороговоркой", как бы стремясь скорее добраться до выигрышного, интересного места. Иной раз создается впечатление, что воспринимая, "схватывая" музыку очень быстро, он играет как бы "про себя", не давая себе труда объяснить свое понимание слушателям.

В 1966 году Д. Благой отмечал: "Менее всего заботится пианист о том, чтобы „убедить". Он - прямая противоположность пианистам, играющим на публику". Позднее это качество настолько гипертрофировалось, что стало походить на пренебрежение публикой. Его игра подчас стала напоминать своего рода беглое чтение с листа, где художественная сторона не так уж важна; вспомним хотя бы его исполнение Второго концерта Бартока с оркестром Би-би-си в Москве. Если раньше кое-кто склонен был, находя "трещины" в его технике, воспринимать их как "протест против технической бесперебойности современного исполнительства", то теперь стало трудно усмотреть тут что-либо, кроме небрежности и неряшливости. Вспомнилось, что советский музыковед Я. Мильштейн еще в 1963 году напомнил Огдону слова Листа: "Недостаточно делать, надо еще доделывать".

В 1960-е годы Огдон много концертировал, записывался и сочинял, однако в начале 1970-х у него начались проблемы со здоровьем, и в 1973 он был помещён в психиатрическую больницу Модсли в Лондоне с диагнозом «шизофрения». Во время пребывания в ней ему разрешалось несколько часов в день играть на рояле, чтобы поддерживать форму.

Лишь в 1980 году Огдон смог вернуться на сцену, но налицо был явный творческий спад в его игре. Тем не менее, он сделал ряд выдающихся записей, среди которых выделяется масштабный цикл «Opus Clavicembalisticum» Кайхосрова Сорабджи (1988), уместившийся на четырёх компакт-дисках. Через несколько месяцев после завершения этой записи Огдон умер в Лондоне от воспаления лёгких.

Что же произошло с ним? Две ипостаси: Пианист-Интерпретатор и Композитор-Творец. Трудно сочетать внутри себя это без противоречий, раздирающих личность. Только Франц Лист сумел быть блестящим Пианистом, исполняющим так, как задумал пьесу её Творец, и гениальным Композитором, великолепно импровизирующим прямо на концерте, исполняя собственные произведения. Но это не легко! Альфред Брендель, начавший сочинять в 18 лет, уже в 22 года отказался от сочинения произведений. Причём он прославился очень бережным и точным отношением к исполняемым произведениям. Брендель почувствовал эту духовную проблему и этот выбор одного пути позволил ему остаться в мире с самим собой! Джон Огдон пережил войну с самим собой: точного интерпретатора произведений других композиторов и композитора, интерпретатора своего звукового пространства.

Композиторское наследие Огдона включает в себя более 200 произведений: оперы, кантаты, оркестровые, камерные и фортепианные сочинения и др. Большинство его рукописей хранятся в библиотеке Северного музыкального колледжа в Манчестере.

Если бы он сделал выбор в пользу одного пути: Пути Композитора, то это наследие могло быть значительно больше и, обретя Мир внутри Себя, - он мог бы прожить больше.
 
















 
 
 

Благородный музыкальный строй Джузеппе Верди

Всего 8 Герц разницы, при этом 432 Гц — исцеляющая частота, а 440 Гц — частота подавляющая сознание.

Древнегреческие рукописи гласят: «Музыкальное воспитание – самое мощное оружие, поскольку ритм и гармония проникают в самые сокровенные глубины человеческой души».

Если лишить человеческий организм естественной настройки, подняв естественный тон всего лишь (!) капельку выше, мозг как музыканта, так и слушателя будет получать раздражение вместо заложенной в музыку естественной гармонизации.

На частоте A5=440 Гц психика человека угнетается, возникают психические деформации, человек замыкается в себе. При выполнении этих условий индивидуумом становится проще управлять.

Данная информация и послужила основной принятия новой частоты ноты «Ля» равной 440-ка Герцам.

К слову, строй 432 Герца известен с древних времён, когда люди были ближе к природе. Ещё в древней Греции (вспомните великих мыслителей Пифагора, Платона, Аристотеля, Гиппократа) мудрецы и музыканты того времени знали о целебном влиянии музыки на человека. Сейчас строй четыреста тридцать два герца называют Пифагорийским темпирированием в честь античного учёного-философа Пифагора.

Позднее частоту Ля четвёртой октавы в 432 Гц назвали «Вердиевским строем» (в честь Джузеппе Верди, активно препятствовавшем введению 440-ка Гц) и резонансом Шумана (в честь физика Винфрида Отто Шумана, обнаружившего благоприятное воздействие на организм частоты 8 Гц, которую он назвал несущей, т.к. из неё складывается и 432 (8Hz * 54 = 432Hz), и привычные нам 8,16, 32... 256, 512, 1024 числа кратные восьми, встречающиеся в электронике).

Величайший скрипичный мастер Антонио Страдивари (его секрет изготовления музыкальных инструментов, кстати, не раскрыт и по сей день), создавал свои неповторимые шедевры основываясь именно на настройке ноты «Ля» в 432 Гц. Тогда этот строй был естественным и только гораздо позднее, якобы чтобы струнные инструменты были лучше слышны на фоне медных, был введён паразитарный строй 440 Герц.
 






 
 
 

11 декабря 1803 года в городке Ла-Кот-Сент-Андре, в Бургундии, в семье врача родился Гектор Берлиоз. Отец хотел, чтобы сын был разносторонне развитым человеком, поэтому занимался с мальчиком латынью, географией, музыкой, историей. Заниматься музыкой Гектор начал довольно поздно, в 12 лет. Никто из родных не верил в музыкальное будущее Гектора. Гектор не унывал. Он самостоятельно освоил игру на флейте, гитаре и изучил теоретические основы музыки. Тогда же, в юном возрасте, начал сочинять первые произведения. Это были небольшие формы, такие как романсы. Мальчик показывал все большие музыкальные успехи. Отец не разрешал ему обучаться игре на фортепиано, опасаясь, что этот инструмент увлечет его в область музыки далее, чем ему бы этого хотелось.

Родители настаивали на том, чтобы Гектор пошел по стопам отца и продолжил династию врачей. Гектор, после окончания школы в 1821 году, поступил в Париже в Высшую Медицинскую Школу. В свободное время Берлиоз осваивал самостоятельно фортепиано и в библиотеке Парижской консерватории изучал партитуры великих мастеров, прежде всего обожаемого им Глюка.
После посещения анатомички, он начал испытывать отвращение к медицине.

С 1823 г. Берлиоз начинает брать частные уроки у Ж. Лесюэра — виднейшего композитора эпохи Великой французской революции. Это он привил своему ученику вкус к монументальным формам искусства, рассчитанным на массовую аудиторию. Берлиоз поступает в Парижскую консерваторию в 1826 году и определяется к Лесюэру в класс полифонии. 1830 году получает почетную консерваторскую награду — Римскую премию, которая позволила ему 2 года пребывать в Италии. Во время обучения в консерватории он создает свое самое лучшее и оригинальное произведение – «Фантастическую симфонию».

Берлиоз написал 4 симфонии, 9 увертюр и 6 опер.
Причина разноречивости отзывов о Берлиозе как о композиторе в том, что он с самого начала своей музыкальной деятельности пошёл по совершенно новой, вполне самостоятельной дороге. Россия была одной из первых стран, где по достоинству оценили музыкальные способности Берлиоза.

Кроме композиторской деятельности, Берлиоз был известный, как и выдающийся дирижер. В 1843 году он гастролировал в России, Англии, Австрии, Чехии, Германии, Венгрии. Везде его встречали тепло и с успехом, особенно в Москве, Петербурге (1847 год). Гектор Берлиоз был первым в истории гастролирующим дирижером жанра исполнительского искусства, который исполнял не только свои произведения, но и творения других авторов. Концертная деятельность помогла ему совершить художественные открытия. Гектор Берлиоз придумал новые сочетания тембров и необычные тембры, ввел в музыку новые штрихи у струнных инструментов. Свои идеи он обобщил в «Трактате о современной инструментовке и оркестровке». Его перу принадлежит также «Дирижер оркестра» — очерк об искусстве.

Берлиоз утверждает принцип распределения различных функций по основным группам оркестра - струнной, деревянной и медной - ради того чтобы не допускать нивелировки тембров которая неизбежно происходит при постоянном дублировании одной группы другой. Его по праву считают реформатором оркестровки. Р. Штраус к предисловию его «Трактата...» писал: «Непреходящее значение книги Берлиоза заключается в том, что Берлиоз, кто первым с величайшим усердием собирателя систематизировал и разработал трудный материал, не только излагал его с фактической стороны, но всюду настойчиво выдвигал на первый план эстетические вопросы оркестровой техники». Он применял редко используемые инструменты – красочные, с ярко индивидуальными тембрами, необычные сочетания тембров, своеобразно звучащие регистры, новые штрихи, приемы игры, создающие неслыханные ранее эффекты. В произведениях Берлиоза нет постоянного, стабильного состава оркестра, — все зависит от круга образов. В ряде случаев он привлекает гигантский, массивный оркестр («Реквием», «Траурно-триумфальная симфония»), в других же случаях он ограничивает оркестр почти камерным составом (балет сильфов из «Осуждения Фауста»).

Кто он - Гектор Луи Берлиоз?
Композитор-новатор. Дирижёр. Вместе с Вагнером он заложил основы новой школы дирижирования. Виртуоз на гитаре, флажолете (старинная высокая свирель), флейте и фортепиано. Артист Стейнвей.

Но это ещё не все! Писатель, автобиограф, либреттист, музыкальный критик и теоретик. Внес важный вклад в развитие музыкально-критической мысли. Большим распространением пользуется его трактат об инструментовке, переведенный на многие языки. Оставил после себя пять крупных литературных произведений. И это всё в одном Человеке!














 
 
 

28 ноября 1829 года, в Бессарабии, в селе Вихватинец родился Антон Григорьевич Рубинштейн — первый Артист Стейнвей, один из величайших пианистов XIX столетия и композитор. Учился сначала у матери, затем у Виллуана, ученика Фильда. В 9 лет Антон уже выступил публично в Москве, в 11 лет — в Париже, где поразил таких авторитетов, как Обер, Шопен, Лист. Лист назвал его наследником своей игры. Затем было блестящее концертное турне в Англии, Нидерландах, Швеции, Германии. В Бреславле - исполнил свое первое сочинение для фортепиано «Ундина». В 12 лет - играл в Вене. Юношеские годы,с 15 до 20 лет, провёл за границей, где наставниками его были знаменитые контрапунктист Ден и композитор Мейербер.

Вернувшись в Петербург, он сделался заведующим музыкой при дворе великой княгини Елены Павловны. К этому времени относятся серия его фортепьянных пьес и опера «Дмитрий Донской». 1854—1858 гг. Антон Григорьевич провел за границей, концертируя в Голландии, Германии, Франции, Англии, Италии. В конце 50-х годов во дворце великой княгини Елены Павловны были устроены музыкальные классы, в которых преподавали Лешетицкий и Венявский и устраивались концерты под управлением Рубинштейна, при участии хора любителей. В 1859 г. Антон Григорьевич, при содействии друзей и под покровительством великой княгини Елены Павловны, основал Русское музыкальное общество. В 1862 г. была открыта «Музыкальная школа», в 1873 г. получившая название консерватории.

Рубинштейн, назначенный директором ее, пожелал держать экзамен на диплом свободного художника этой школы и считался первым, который получил его. С 1867 г. до 1887 г. Рубинштейн занимался концертной и композиторской деятельностью. Особенно блестящим успехом сопровождалась его поездка в Америку в 1872 г. С 1887 до 1891 гг. вновь был директором Санкт-Петербургской консерватории. К этому времени относятся его публичные музыкальные лекции исторического развития музыки. Скончался в Петергофе 8 ноября 1894 г. и похоронен в Александро-Невской лавре.

Как виртуоз-пианист, он не имел соперников. Техника пальцев и вообще развитие рук было для Маэстро только средством, орудием, но не целью. Индивидуальное глубокое понимание исполняемого, чудное, разнообразное туше, полнейшая естественность и непринужденность исполнения лежали в основе игры этого необычайного пианиста. Рубинштейн говорил в своей статье «Русская музыка» («Век», 1861): «воспроизведение — это второе творение. Обладающий этой способностью сумеет представить прекрасным сочинение посредственное, придав ему оттенки собственного изображения; даже в творениях великого композитора он найдет эффекты, на которые тот или забыл указать, или о которых не думал».

Мастер оставил просто огромное количество фортепианных произведений, 6 симфоний,12 опер, 20 произведений в области камерной музыки (сонаты со скрипкой, квартеты, квинтеты), 4 оратории, балет «Виноградная лоза». Кроме того, им написаны концерты для скрипки и для виолончели с оркестром.

Пианист виртуоз, композитор, один из основателей Русского музыкального общества и первой в России консерватории. Рубинштейн стал первым российским композитором, в творчестве которого сочинения для фортепиано заняли одно из ведущих мест и воплотили не менее крупные художественные идеи, чем его же симфонии или камерные ансамбли.
















 
 
 

Пианино от Steinway & Sons – меньше, чем рояль, но больше, чем просто пианино.


Общеизвестно, что компания Steinway & Sons выпускает лучшие в мире фортепиано, востребованные и ценимые как профессионалами, так и музыкантами-любителями. Однако, для большинства музыкантов творческий путь начинается не с большого рояля, размещённого в концертном зале, а с маленького пианино в детской комнате или в классе музыкальной школы.


И едва ли нужно говорить о том, что инструмент, с которого начинается музыкальная жизнь маленького человечка, должен быть не просто хорошим – а очень хорошим. Таким, как пианино компании Steinway & Sons.


В настоящее время компанией Steinway & Sons производятся инструменты, подразделяемые на 3 линии:

Линия первая: Steinway & Sons. Производство – Гамбург, Германия, и Нью-Йорк, США. Высший (премиум, luxury) класс. Богатейшее звучание, близкое к рояльному. Неофициально признаётся «концертным» инструментом. В основу конструкции заложены разработки и изобретения, сделанные в компании на протяжении 165 лет, защищённые 127 патентами. Фабрика в Нью-Йорке выпускает три модели пианино: Sheraton Model P/45 Sketch 4510 (высота 116 см), Professional Model P/45 Sketch 1098 (118 см) и Professional Model K-52 (132 см). До недавнего времени Гамбургской фабрикой выпускались две модели – К-132 и V-125 (132 и 125 см соответственно). С 2014 года выпуск модели V-125 временно приостановлен. Таким образом, инструменты V-125 переходят в разряд раритетных.


Серийные инструменты выпускаются в 4 видах отделки: чёрный полированный, белый полированный (или цвета «слоновая кость»), полированное красное дерево и сатинированный (матовый) орех. Кроме того, несколько инструментов в год выпускаются в сериях Limited Edition и Special Collection с различными видами дизайнерской отделки.


Особенностью пианино Steinway & Sons является наличие эффекта так называемой «двойной репетиции» - когда, чтобы ещё раз извлечь звук одной и той же ноты, не обязательно возвращать клавишу в исходное положение. Это даёт преимущество пианистам-технарям, значительно расширяя их исполнительские возможности. Обычно этим свойством обладают рояли, но не пианино. Так что, наличием этого эффекта пианино Steinway & Sons выгодно отличаются от инструментов других производителей.


Вторая линия – пианино Boston. Представляют так называемый «исполнительский класс», ориентированный на профессиональных музыкантов и искушённых любителей музыки, по тем или иным причинам не желающих приобретать Steinway.


Выпускаются 3 модели:
UP-132 (аналог K-132), UP-126 (аналог V-125) и UP-118 (маленький, «домашний» инструмент). Доступная отделка – чёрный, белый, красное дерево, полированный орех.
Особенность – у пианино открывается корпус поднятием передней панели (как у модели Steinway Sheraton), что делает инструмент более звучным.


Третья линия – пианино Essex, - ориентирована для домашнего музицирования и обучения. Самая недорогая линия инструментов Steinway & Sons и, пожалуй, лучшая в своей ценовой категории. Ввиду ориентации на массового «домашнего» потребителя, у линии Essex значительно расширены опции отделки. Помимо традиционных чёрного и белого цветов, пианино Essex возможно приобрести в следующих отделках: полированный или сатинированный орех, полированное или сатинированное красное дерево – вишня, махагон, палисандр Sapele. Над дизайном корпусов работали многие видные современные дизайнеры, в их числе – Уильям Фабер.
Выпускаются модели – EUP-123, EUP-116, EUP-111, EUP-108.

Увидеть и услышать инструменты всех трёх линий можно в фирменном магазине-салоне Steinway Piano Gallery Moscow по адресу: Московская область, г.Красногорск, Ильинское шоссе, вл.1А. Телефон: (495) 280-02-41.

 















 
     
 
 

Артист Стейнвей, Дайана Джин Кролл родилась 16 ноября 1964 года в канадском городе Нанаймо в музыкальной семье: её родители были пианистами, а бабушка — певицей, и, естественно, Дайане еще с детства была привита любовь к музыке, особенно к джазовой.

Ещё будучи ребёнком она овладела навыками игры на фортепиано, а помимо обычной школы, также посещала и музыкальную.

Её музыкальная карьера началась с выступлений в барах, где Кролл была исполнительницей джазовых композиций на фортепиано. В 1981 году она стала победительницей на джазовом фестивале в Ванкувере, главным призом которого стала стипендия в престижном музыкальном колледже Беркли в Бостоне.

Одним из своих концертов Кролл привлекла внимание знаменитых джазовых музыкантов Рэя Брауна и Джеффа Хэмилтона, которые убедили её переехать в Лос-Анджелес для дальнейшего развития её музыкальной карьеры.

Они также помогли ей получить грант от канадской организации «Arts Council», благодаря которому Кролл удалось заметно подняться на музыкальной арене. В Лос-Анджелесе Дайана Кролл впервые попробовала себя в качестве вокалистки, что сделало её ещё более популярной.

Спустя три года она вернулась в Канаду, где обосновавшись в Торонто, продолжила выступления в качестве пианистки и певицы. С тех пор Дайана получила много наград, в том числе «Гремми» и добилась мирового признания.

Равно одаренная мастерством пианистки и вокальным талантом, артист Стейнвей, Дайана Кролл (Diana Krall) создает удивительные композиции, которые обращаются к каждому слушателю лично и заставляют его включаться в начатую ею изящную игру. При этом певица никогда не дает прямых подсказок и помогает своим слушателям только намеками.

«Когда вы рассказываете какую-то историю, нельзя навязывать свое отношение. Вы задаете только настроение, а дальше каждый волен воспринимать все по-своему. Я люблю джаз, потому что это не просто какой-то определенный стиль, а один из способов интерпретации музыки и жизни вообще».

 









 
 

Сердце рояля – резонансная дека.

С началом нового учебного года многие родители озабочены тем, чтобы подыскать своим чадам подходящий инструмент для дополнительного – музыкального, что приятно! – образования.
Как же выбрать подходящий инструмент?

От многих преподавателей, настройщиков и, конечно же, продавцов фортепиано можно услышать, что главное в фортепиано это – резонансная дека. Что выбрать хорошую деку – это, фактически, сделать полдела, и не дай бог столкнуться с треснувшей, или «лопнувшей» - больший кошмар и придумать-то трудно. Само по себе слово «дека» буквально означает «доска». Что же такого особенного в этой самой «доске», что столь многие люди говорят о ней с придыханием?

Если говорить строго научно, то дека – это, да(!), специально склеенная доска, играющая роль мембраны, усиливающей звук фортепианных струн. Как правило, дека располагается горизонтально в корпусе рояля (в пианино – вертикально) под рамой с натянутыми струнами, опираясь на специальные выступы корпуса, одной гранью соединяясь с вирбельбанком.

Если же говорить по существу, дека – это буквально сердце инструмента, поскольку именно от величины, материала и физического состояния деки зависят музыкальные свойства инструмента – его громкость и обертоновое богатство звука. Именно деке фортепиано обязано своей способностью передавать тончайшие оттенки тембра.

Ну, а если выразиться ещё поэтичнее, то дека – это тот парус, который пианист наполняет своим вдохновением и мастерством, чтобы мчаться или скользить по волнам слушательского восприятия.

Производство дек для музыкальных инструментов – это, фактически, целая научно-прикладная дисциплина, насчитывающая не одну сотню лет.

Для изготовления фортепианной деки используются только хвойные породы древесины. Почему так? Об этом – чуть позже.

Компания Steinway & Sons использует древесину ситхинской ели, как правило – заготовленную на Аляске. Ситхинская ель, или «ситка» – быстрорастущая и очень неприхотливая древесная порода, она почти не подвержена болезням и гнили, а мелкие трудноизвлекаемые семена птицами и грызунами как правило игнорируются. Древесина этой породы имеет кремово-белый цвет и ровную прочную структуру. Насыщенность годовыми кольцами слегка варьируется в зависимости от климата и условий произрастания дерева. В среднем, ширина годовых колец составляет 2-3 миллиметра. Для производства фортепианных дек отбирают древесину с тонкими годовыми кольцами. Для роялей Steinway отбираются стволы ели с содержанием не менее 10 годовых колец на дюйм толщины. Древесина ситки не смолистая, не имеет запаха, не пачкается, достаточно легкая, прочная на изгиб и стойкая на раскалывание, дает очень чистую поверхность, нормально склеивается и полируется. Свежеструганные поверхности имеют еле заметный серебристый блеск.
Фортепианные деки любого размера склеиваются из маленьких дощечек длиной до полуметра и шириной 8-12 см, которые подгоняются друг к другу вручную. Толщина заготовок не превышает 1 см. В процессе обработки дека ещё больше «теряет в весе», ведь для тонкой работы передачи звука дека роялей Steinway имеет разную толщину в середине и по краям. А кроме того – благодаря специальной технологии напряжения она имеет выгнутую форму, напоминающую купол!

Напряжение деки достигается с помощью рипок. Это специальные бруски, изготавливаемые из того же сорта древесины, что и сама дека, и приклеиваемые на тыльную – нижнюю её сторону.
Рипки – это детали «двойного назначения». Во-первых – они держат форму деки и сообщают ей столь нужные для музыкальных свойств напряжение и жёсткость. Во-вторых – они помогают распределять энергию колебания струн по всему массиву деки, делая колебания более равномерными.

На верхней стороне располагаются два причудливо изогнутых деревянных штега – дискантовый и басовый. Изначально их задача – поддержка струн и отсечение их звучащей части. Подобно тому, как работают струнные порожки у щипковых и смычковых инструментов. Но в рояле всё намного сложнее: штеги также выполняют двойную роль – помимо, собственно, поддержки струн, они передают струнные колебания деке. Таким образом, фортепианный звук формируется декой не только посредством «воздушной» передачи от струнных хоров, но и благодаря «звукоснимателям»-штегам. Устройство штегов – фирменная «фишка» многих производителей фортепиано. Каждый использует свою технологию, в зависимости от собственных традиций, технологий и финансовых возможностей. Компания Steinway & Sons использует не самую дешёвую, но, пожалуй, наиболее эффективную технологию, защищённую специальным патентом. Суть её в том, чтобы расположить слои древесины так, чтобы звук не встречал физических препятствий и распространялся равномерно и без потерь. Во многом благодаря этому принципу – звук без границ – рояли Steinway & Sons и являются лучшими в мире.

И, наконец, вернёмся к вопросу – почему для резонансной деки используется именно ель? Всё дело в биологических свойствах этого дерева. Ель – вечнозелёное дерево, не сбрасывающее листву, и не засыпающее в холодный сезон. То есть, ель живёт, питается и дышит круглый год. В связи с этим ели нет нужды в больших запасах питательных веществ, которые помогают лиственным породам пережить трудные периоды – зиму, засухи, бессолнечную погоду. Поэтому структура древесины у ели – стройная, однородная и очень-очень плотная. Волокна, формируемые клетками древесины, уложены, как кирпичики в стене – один к одному. Так что и звук в такой «стенке» передаётся практически без потерь. Стоит только восхититься многолетней работой и опытом целых династий мастеров, которые заметили эти свойства ели, не имея под рукой даже элементарных увеличительных приборов. Ну, а к нашим услугам – снимки электронного микроскопа, которые лишь подтверждают многовековой опыт.

Внимательный читатель задаст и другой вопрос – разве ель единственное хвойное дерево, которое используется для производства фортепианных дек? Отвечаю – конечно же, нет. Однако, ель использовать выгоднее всего. Ель – очень распространённая порода, к тому же, предпочитающая местности с прохладным ровным климатом. Благодаря этому накопление годовых колец идёт равномерно-постепенно. Кроме того, другие породы – пихта, лиственница, сосна или тсуга – имеют различные недостатки. Очень досаждают плотникам смоляные ходы (осмолы), и сучки, которыми так богата, например, сосна. Сучки, безусловно, красиво смотрятся в поделках – но как собрать музыкальную деку с сучками? А смола – она кому-то нужна в музыкальном инструменте? Ну, а ствол лиственницы вообще напоминает по структуре плотно скрученный канат. Его и просто острогать или распилить – задача нетривиальная. Так что, ель – лучший выбор.

Конечно, как любой изначально живой материал, дека рояля нуждается в особом режиме температуры и влажности. Именно от «пересушивания» случается такая неприятная вещь, как растрескивание деки. Однако, вопреки укоренившимся слухам, это не такая большая беда – во всяком случае, вполне поправимая. Опытный специалист – а в компании Steinway & Sons только такие и работают! – всегда поможет дельным советом по уходу за инструментом.
 



























 
 

Steinway Duo Art Player Pianо - прародитель Spirio !

Процесс записи Duo-Art
С самого начала Duo-Art в 1914 году и, возможно, чуть раньше, в Aeolian Hall в Нью-Йорке была студия звукозаписи для фортепианного ролика, первоначально на территории 42-й улицы. Первыми производителями были W. Creary Woods и Arno Lachmund, которые, похоже, разделили работу одинаково между ними, если верить рукописным заметкам о сохранившихся оригинальных роллах в Международном фортепианном архиве в Мэриленде. Оба мужчины были музыкантами. Отец Лахмунда был концертным пианистом и учеником Листа, а Вудс стал главным музыкальным колледжем в Делавэре.

Аналогичная студия была создана в Лондоне, Англия, в конце 1919 года, и там запись продюсера была занята Реджинальдом Рейнольдсом, который в последнее время преуспел в Easthope Martin в качестве главного пианолога Британской Эоловой компании. Лоуренс Крамп, прикомандированный из отдела игроков на Эолийском заводе в Хейсе, Миддлсекс, стал перфорированным машинистом.

В отличие от многих других воспроизводящих фортепианных систем, Duo-Art использовал перфоратор в реальном времени для создания оригинального рулона по мере его воспроизведения. Эта машина, запатентованная Эдвином Воти, способна пробивать около 3600 рядов перфорации в минуту, давая точность в этом первом рулоне 1/60 секунды. Динамика не была записана автоматически, но была создана в рулоне по мере того, как художник играл, двумя циферблатами и связанными с ними механизмами, контролируемыми производителем записи, которые сидели слева и немного отставали от пианиста. На этой фотографии Реджинальда Рейнольдса и Ферруччо Бузони можно отчетливо увидеть консоль записи и ее циферблаты.
 




 

Любимая музыка в вашем доме – самоигровые системы PianoDisc.

Среди любителей музыки слушателей всегда было гораздо больше, чем музыкантов. И естественным желанием слушателя всегда было желание наслаждаться любимыми мелодиями и ритмами без дополнительных затрат на обучение, покупку инструментов, приглашение исполнителей и организацию специальных мероприятий – то есть, в большой степени не зависеть от музыканта.

Надо сказать, что мечтатели таки добились своего – уже в 14 веке в Европе появились устройства, которые много позже назовут шарманками и музыкальными шкатулками. Используя энергию скрученных металлических лент и глиняные диски с отверстиями, приборы своим звоном и дребезжанием позволяли напомнить слушателю любимую мелодию – именно напомнить, поскольку качество звука было далеко не на должной высоте. Однако, любителям и энтузиастам достаточно было лишь примера, чтобы продолжать поиски совершенства.

Когда в конце 19 века появилось механическое пианино – это был настоящий прорыв. Ведь новый инструмент буквально пошатнул отношения музыкантов и слушателей – отныне инструмент воспроизводил музыку САМ, без музыканта! Правда, системы управления недалеко ушли от шарманок – и потребовалось ещё несколько десятков лет, чтобы звук механического пианино стал «живым».

В 1979 году в городе Сакраменто, штат Калифорния, братья Гэри и Кёрк Берджетты основали небольшую фирму по продаже фортепиано. Гэри был преподавателем фортепиано и имел маленькую музыкальную студию, а его Кёрк получил образование инженера, и занимался реставрацией музыкальных инструментов.

Бесконечные повторения одних и тех же произведений на занятиях с учениками натолкнули Гэри на мысль автоматизировать процесс обучения, заставив рояль «запомнить» раз и навсегда записанное произведение. Путём многочисленных экспериментов братья изобрели устройство под названием Pianocorder. В устройстве для управления использовались магнитофонные кассеты, и его можно было подключить к любому фортепиано.

Свой новый самоиграющий рояль братья Берджетты демонстрировали в музыкальных магазинах и на выставках, как дома, так и в других городах. Довольно быстро братья поняли, что идея самоиграющего рояля может быть использована не только в музыкальной педагогике. Ведь более всего самоиграющей системой интересовались люди, которые не могли играть, но очень любили музыку. Новинка позволяла им исполнить свои давнишние мечты – и, к примеру, приобрести собственный рояль!

Очень скоро объем продаж самоиграющих роялей и приставок к ним составил более 40% всего оборота магазина братьев Берджет. Это не могло остаться незамеченным у гигантов музыкальной индустрии. Компания Yamaha разрабатывала собственные самоигровые системы и методично избавлялась от конкурентов. В результате Yamaha купила права на устройство Pianocorder и… закрыла проект, полностью прекратив выпуск приставок.

Но братья Берджетты, родившиеся и выросшие при капитализме, восприняли поступок международной корпорации, как вызов. Уже в марте 1989 года они представили новую систему, которую назвали PianoDisc. И вот уже почти 30 лет это название известно по всему миру.
Сегодня установить систему Piano Disc желающим помогут около 600 дистрибьюторов в более чем 40 странах мира. Устройства PianoDisc не только воспроизводят музыку, используя возможности инструмента, но и позволяют самому владельцу записывать собственное исполнение с помощью специального интерфейса, а также заниматься на фортепиано без звука.

Кроме продажи самого устройства, производители озаботились записью лучших произведений для фортепиано в исполнении выдающихся музыкантов современности. Сегодня фонотека Piano Disc насчитывает около 4000 композиций, среди которых как классические произведения для сольного фортепиано или фортепиано с оркестром, так и сочинения современных композиторов в различных жанрах популярной музыки. Так что, любой любитель музыки найдёт в фонотеке PianoDisc то, что ему по душе.

Посмотреть и послушать, как звучит самоиграющий рояль с системой PianoDisc, а также получить необходимую консультацию и заказать понравившуюся систему можно в фирменном магазине Steinway Piano Gallery. Адрес: МО, Красногорск, Ильинское шоссе, 1А. Телефон: (495) 280-02-41.






 
 

Артист Стейнвей Игорь Фёдорович Стравинский.

17 июня 1882 года в окрестностях Петербурга, в Ораниенбауме, родился крупнейший композитор ХХ века, дирижёр и пианист, Артист Стейнвей Игорь Фёдорович Стравинский.

Отец будущего гения Фёдор Игнатьевич Стравинский - известный оперный певец, солист Мариинского театра. Мать - Анна Кирилловна Холодовская была неплохой пианисткой. Творческая элита Петербурга постоянно встречалась в этом доме. Частенько захаживал сюда и Ф.М. Достоевский.

С девяти лет Игорь начал частным образом брать уроки фортепиано, но, как вспоминает он сам, уже «с трёх лет осознал себя как музыкант». Во время летнего отдыха в деревне он слушал и подражал пению крестьянских девушек, из детства всплывает и воспоминание о впечатлении от военно-духовой музыки, доносившейся из казарм, расположенных неподалёку от петербургской квартиры Стравинских у Крюкова канала.

Мальчик быстро начал читать с листа клавиры, партитуры и даже импровизировать. В Петербурге маленький Игорь посещал спектакли с участием отца.

Родители хотели, чтобы он вырос всесторонне развитым человеком, но не желали сыну карьеры музыканта-профессионала. Часто можно прочитать: «Тем не менее, музыкантом становиться не собирался и в 1900 г. поступил в Петербургский университет на юридический факультет».

Не надо дезавуировать элементарное родительское насилие, а не его свободный выбор!

Одновременно с изучением юриспруденции музыкант приступил к углубленному освоению теории музыки. И эти занятия он не афишировал перед родителями.

«В своей жизни композитора я учился главным образом на собственных ошибках и в попытках реализовать ложные предположения, а, не припадая к неким источникам мудрости и знания».

В студенческие годы Стравинский познакомился с Н. А. Римским-Корсаковым, который признал его композиторское дарование, но посоветовал развивать гармонический слух, а также разрешил периодически обращаться за консультацией. С 1903 г. Игорь стал брать у него уроки. Эти занятия продолжались до смерти учителя в 1908 г. Это была единственная композиторская школа Стравинского, благодаря которой он овладел в совершенстве композиторской профессией.

Под руководством Римского-Корсакова были написаны первые сочинения — скерцо и соната для фортепиано, вокализ «Пастораль», сюита для голоса с оркестром «Фавн и пастушка», Симфония Es-dur, «Фейерверк» для оркестра.

В 1905 году Стравинский окончил университет, но от карьеры юриста отказался.

На премьере «Фейерверка» (1908) присутствовал Сергей Дягилев, на тот момент известный меценат и основатель журнала «Мир искусства», задававшего тон всему «новому» искусству того времени. Высоко оценив талант молодого композитора, Дягилев предложил ему создать балет для постановки в «Русских сезонах» в Париже. Это предприятие, особенно на первых порах, знакомило европейскую публику с блестящими образцами современного русского искусства. Именно благодаря Дягилеву Париж услышал целиком оперы Мусоргского, увидел русский балет. Мысль о русском сказочном балете уже давно преследовала Дягилева. Как вспоминает балетмейстер М. Фокин, «самым фантастическим созданием народной сказки и вместе с тем наиболее подходящим для танцевального воплощения является Жар-птица!».

В течение трёх лет сотрудничества с труппой Дягилева Стравинский создаёт ещё два балета, принёсших ему мировую известность, среди них «Петрушка» и «Весна священная». Первый из них – «потешные сцены», авторами которых стали сам Стравинский, Бенуа и Дягилев (1911). После премьеры балета в Париже с восторгом о музыке «Петрушки» отзывается Дебюсси, называя автора «гением колорита и ритма».

Стравинский о своей музыке: «У человека одно место рождения, одна родина … и место рождения является главным фактором его жизни. Я всю жизнь по-русски говорю, у меня слог русский. Может быть, в моей музыке это не сразу видно, но это заложено в ней. Это в ее скрытой природе …»

В 1914 году Игорь Фёдорович уехал с семьёй в Швейцарию. Вскоре началась Первая мировая война, из-за которой Стравинские не стали возвращаться в Россию. Через год композитор переехал во Францию. С 1936 года Игорь Фёдорович начал ездить в США на гастроли.

В 1939 г. Игорь Фёдорович покинул Европу и переехал в США, где обратился к традициям джазовой музыки.

В 1945 г. был создан «Чёрный концерт для кларнета и джаз-банда».

Творческое наследие Стравинского очень велико: 4 оперы, 12 балетов, кантаты, симфонии, концерты, хоры и др. Он считается одним из самых значительных новаторов в музыке XX в. Сколько эпитетов присваивали ему: "Человек тысяча одного стиля", "Композитор-хамелеон", "Законодатель музыкальных мод".

Лучшие сочинения Стравинского существенно обогатили мировую культуру и оказали воздействие на развитие музыки 20 века.

Умер Игорь Фёдорович 6 апреля 1971 г. в Нью-Йорке.

























 
 

Steinway & Sons - 165 лет!

Компания Steinway & Sons основана 7 июня 1853 года в Нью-Йорке немецким иммигрантом краснодеревщиком Хайнрихом Энгельхардом Штайнвегом (позднее сменил имя на Генри Э. Стейнвей).

Штайнвег занимался изготовлением фортепиано с 1835 года в своём доме в Зезене, Германия. Фортепиано носили марку Steinweg. Он эмигрировал из Германии в Америку в 1850 году с женой и восемью из его девяти детей. Старший сын, К. Ф. Теодор Штайнвег, остался в Германии и продолжил делать фортепиано Steinweg, будучи партнёром известного продавца Фридриха Гротриана.

В 1853 Хайнрих Штайнвег основал Steinway & Sons (рус. «Стейнвей и сыновья»). Его первая мастерская находилась на Манхэттене, Нью-Йорк. Первому фортепиано, произведённому Steinway & Sons, дали номер 483, потому что Штайнвег изготовил 482 фортепиано в Германии и не хотел начинать отсчёт заново. Инструмент 483 был продан нью-йоркской семье за 500 долларов и теперь выставляется в музее искусств «Метрополитен» в Нью-Йорке. Год спустя, из-за огромного спроса, компания переехала в помещение большего размера на Уокер-Стрит. Только в 1864 году семья изменила написание личных фамилий на Steinway.

В 1858 году Теодор и Фридрих Гротриан переводят немецкую фабрику из Зеезена в Брауншвейг.

В 1860 году открылась новая фабрика на Парк-Авеню и 53-й улице. На фабрике работало 350 работников. Производство увеличилось с 500 до 1800 фортепиано в год.

Сами фортепиано подверглись многочисленным существенным улучшениям, основанным на научных исследованиях и улучшении понимания акустики. Почти половина 126 запатентованных изобретений компании были сделаны первым и вторым поколениями семьи Стейнвей. Фортепиано Стейнвея выиграли несколько важных призов на выставках в Нью-Йорке, Париже и Лондоне, к 1862 году они получили более 35 медалей.

В 1865 семья Стейнвей послала письмо К. Ф. Теодору Штайнвегу с просьбой, чтобы он оставил немецкую фабрику (к тому времени расположенную в Брауншвейге), и переехал в Нью-Йорк, чтобы возглавить семейную фирму, из-за смерти его братьев Генри и Чарльза от болезней. Теодор повиновался, продав свою долю немецкой компании партнёру, Вильгельму Гротриану (сыну Фридриха Гротриана), и двум рабочим — Адольфу Хелфферику и Х. Г. В. Шульцу. Немецкая фабрика изменила своё название с C.F. Theodor Steinweg на Grotrian, Helfferich, Schulz, Th. Steinweg Nachf. (последняя фраза означает «преемники Т. Штайнвега»), а позднее на Grotrian-Steinweg. В Нью-Йорке Теодор Штайнвег принял фамилию Стейнвей. В течение следующих 15 лет он продолжал держать дом в Брауншвейге и часто путешествовал между Германией и Соединёнными Штатами.

В 1866 году Уильям Стейнвей построил первый концертный зал на East 14th Street в Нью-Йорке, в котором было более чем 2.000 мест. Он быстро стал важной частью культурной жизни Нью-Йорка и выступал в качестве Нью-Йоркской филармонии в течение последующих 25 лет.

В 1870 году Уильям Стейнвей основал ремесленный городок в Куинсе в Нью-Йорке. Городок имел собственную жилую инфраструктуру и включал новую фабрику (всё ещё используемую сегодня) с литейным заводом и лесопилкой, зданиями для сотрудников, детским садом, почтовым отделением, отделом добровольческой пожарной охраны и парком. Городок Стейнвей позже стал частью Лонг-Айленда. Стейнвей-Стрит, одна из крупнейших улиц в этом районе названа в честь компании.

Чтобы достигнуть европейских клиентов, которые хотели приобрести фортепиано Steinway, и избегнуть высоких европейских налогов на импорт, Уильям и Теодор Стейнвей основали новую фабрику фортепиано в немецком городе Гамбурге в 1880 году. Теодор Стейнвей даже хотел прекратить ездить в Америку и жить в Германии постоянно. Первым адресом фабрики Стейнвеев в Гамбурге была улица Шанценштрассе. Теодор Стейнвей стал главой немецкой фабрики, а Уильям Стейнвей вернулся на фабрику в Нью-Йорке. Фабрики в Гамбурге и Нью-Йорке регулярно обменивались опытом и продолжают делать это сегодня. Рамы для инструментов в Гамбурге не производятся. Их льют из чугуна в Нью-Йорке и отправляют контейнерами в Германию.

Теодор Стейнвей был талантливым изобретателем, который сделал много улучшений в конструкции фортепиано. Больше чем одна треть запатентованных изобретений компании по сей день принадлежит Теодору Стейнвею. Теодор Стейнвей умер в Брауншвейге в 1889 году, до конца жизни он успешно конкурировал с маркой Grotrian-Steinweg, но и гамбургская фабрика Стейнвея и брауншвейгская фабрика Grotrian-Steinweg стали известны как производители самых высококлассных немецких фортепиано.

В 1890 году компания Steinway стала поставщиком двора королевы Виктории. В следующие годы Steinway стала поставлять инструменты ко дворам Италии, Норвегии, Персии, Португалии, Румынии, России, Испании, Швеции и Турции.

Имя Steinway & Sons олицетворяет собой богатые традиции фортепианостроения, которые бережно хранятся, передаются из поколения в поколение и непрерывно совершенствуются на протяжении более полутора века. Эта компания, зарегистрировавшая свыше 128 патентов, по праву считается основателем современных технологий строительства фортепиано. Рояли и пианино Steinway признаны эталоном высочайшего образца во всем мире и высоко ценятся как профессиональными исполнителями и музыкально-образовательными учреждениями, так обычными людьми, которые любят музыку.


















 
 
 

День Рождения артиста Стейнвей Ричарда Гуда.

75 лет назад, 1 июня 1943 года в США, в Восточном Бронксе, родился Артист Стейнвей Ричард Гуд.

Сама фамилия гарантировала, что всё и всегда будет хорошо!

Его отец был настройщиком фортепиано и скрипачом-любителем и послал своего сына к соседу-пианисту учиться игре на фортепиано. Затем Ричард учился в Маннес-колледже, затем в Кёртисовском институте.

С 1966 года Гуд преподаёт в Маннес-колледже. Он также является одним из художественных руководителей музыкальной школы Марлборо.

В школе обыкновенно занимаются наиболее одарённые студенты различных американских консерваторий. Работа школы сопровождается своеобразными отчётными концертами: каждый уикенд (а школа работает на протяжении семи недель) учащиеся школы исполняют какие-то из разбираемых на занятиях произведений, причём программа определяется не более чем за неделю до концерта. В настоящее время художественными руководителями школы являются пианисты Ричард Гуд и Мицуко Утида.

В 1973 г. Ричард выиграл Международный конкурс пианистов имени Клары Хаскил, в 1980 г. стал лауреатом Премии Эвери Фишера. В 1983 г. Ричард Гуд вместе с кларнетистом Ричардом Штольцманом завоевал премию «Грэмми» за лучшую запись камерной музыки – запись Сонат Брамса. «Нью-Йорк Таймс» писала тогда: «Одним из наиболее важных и памятных событий стало исполнение Ричардом Гудом всех бетховенских фортепианных сонат».

Основу репертуара Ричарда Гуда составляют произведения Баха, Моцарта, Шуберта, Шумана, Брамса; особенным признанием пользовались его записи сонат Людвига ван Бетховена.

Его исполнение всегда полно благородства, понимания и вкуса.







 
 
 

Артист Steinway Дон Э́йри

Артист Steinway Дон Э́йри . (род. 21 июня 1948, Сандерленд, Англия) — британский пианист, органист, композитор, аранжировщик. Получил известность, сотрудничая со многими известными группами в качестве сессионного музыканта. Наиболее известен как действующий клавишник «Deep Purple». Старший брат гитариста Кита Эйри (англ. Keith Airey, «The Zombies»). До работы в «Deep Purple» сотрудничал с рок группами "Black Sabbath", "ELO", "Judas Priest", "Jethro Tull" и "Rainbow".

С "Rainbow" он записал альбомы «Down to Earth» (1979) и «Difficult to Cure» (1981).

Его преподавателем игры на фортепиано в Королевском северном музыкальном колледже был пианист Ryszard Bakst (Бакст, Рышард Абрамович 1926—1999), ученик А. М. Луфера, выпускник Московской консерватории по классу К. Н. Игумнова и Г. Г. Нейгауза.

Дон Эйри указывает, что на него огромное влияние оказала классическая музыка и среди его любимых музыкантов — Евгений Кисин, Даниэль Баренбойм, Маурицио Поллини[]. Также указывает на влияние, которое оказали на него органисты Джимми Смит и Джон Лорд. Коллекционирует виниловые грамзаписи 1950—1960-х годов, на которых присутствует орган Хаммонд.



 
 

25-летний юбилей линии Boston.

В 1992 году, используя уникальные патенты и опыт компании STEINWAY & SONS, была введена линия Boston для тех, кто хочет присоединиться к семье владельцев STEINWAY, но не может позволить себе купить новый STEINWAY. Удалось создать превосходные рояли и пианино, при этом на уровне цен, достичь который никогда раньше не считалось возможным.

Благодаря новой конструкции инструменты Boston обладают, в отличие от других инструментов тех же размеров, существенно большей резонансной декой, обеспечивающей более мощное и глубокое звучание.

Благодаря внедренным компанией STEINWAY & SONS передовым техническим разработкам и инновациям (таким как запатентованная в 2009 году конструкция вирбельбанка Octagrip™ и дуплексная система Duplex-Skala) рояли и пианино BOSTON по своим звуковым и функциональным характеристикам существенно опережают аналогичные инструменты в среднем ценовом сегменте. Своим выдающимся качеством инструменты BOSTON завоевывают все больше доверия среди любителей фортепианной музыки и музыкальных учреждений.

За четверть века линия Boston получила много наград.

10 июля 2017 года, в честь 25-летнего юбилея линии Boston, компания STEINWAY & SONS объявляет о выпуске нового фортепиано с ограниченным тиражом в ознаменование 25-летия Бостонской линии, Спроектированной STEINWAY. Эти 125 уникальных роялей "Серебряного юбилея" отличаются изысканными деталями, демонстрируя безукоризненный характер Бостон.

Новый рояль, созданный на основе модели BOSTON GP-178, завораживает блестящей хромированной фурнитурой, аграфами, педалями и колесиками. Фильцы выполнены в черном цвете вместо красного, чугунная рама переливается серебристыми бликами, а внутренняя сторона футора изготовлена из ценного шпона кевазинго бубинга.

Кроме своей внешности, в юбилейных роялях поражает исключительное качество звука.

На каждом фортепиано имеется уникальный пронумерованный медальон.

"Бостонская линия пианино любима исполнителями, преподавателями и студентами по всему миру”, - сказал Джон Паттон, Президент отделения Бостон компании STEINWAY. "Юбилейный Boston limited edition предлагает возможность быть частью истории в процессе создания. Бостон готов продолжать свое наследие инноваций и свою родословную в качестве реликвии, разработанной STEINWAY, в течение многих лет. Отмечая первую четверть века существования этого уникального фортепиано, мы также с нетерпением ждем следующих двадцати пяти лет.”







 
 

ВИП среди роялей – Steinway & Sons Crown Jewels Sapphire

Восточно-индийский палисандр (ВИП) – порода дерева, традиционно используемая компанией Steinway & Sons для отделки роялей высочайшего класса.

Ботаническим названием палисандра индийского является Dalbergia latifolia. Среди коммерческих названий встречаются и другие его имена – East Indian rosewood, Bombay blackwood, Java palissander, Malabar. Произрастет дерево в Индии (большей частью в южных ее районах), Пакистане, Индонезии и Шри-Ланке. В Индонезии его выращивают на специальных плантациях, и такое дерево попадает на рынок под названием сонокелинг. Даже в плантационных условиях палисандровое дерево растет очень медленно, почти 200 лет. Хорошие бревна подходящего для изготовления шпона качества встречаются редко. Форма ствола всегда неправильная – овальная или эллипсовидная на распиле. Таким образом, дерево как бы само диктует, в каком направлении следует его резать, чтобы получить материал подходящего размера. Как видно, не только среди людей красота часто сочетается со сложным характером.

Дальбергия обладает красивейшей древесиной. Узкая светлая заболонь сменяется мощным цветным ядром. Ядро имеет широкую цветовую палитру – от светлого, практически золотисто-коричневого оттенка до розовато-багровых тонов с выраженными темными шоколадными штрихами. Темные полосы разграничивают зоны роста и придают древесине привлекательный текстурный рисунок.

По прочности индийский палисандр превосходит древесину дуба, распиливается с умеренным трудом, хорошо поддается обтачиванию на токарных станках. При этом стоит запастись дополнительным режущим инструментом, так как древесина дальбергии при обработке сильно затупляет режущие кромки из-за наличия известковых отложений. Но уже обработанный палисандр отлично полируется и реагирует на восковую отделку. Из него получается красивый декоративный шпон.

Древесина индийского палисандра нашла широкое применение в мебельном и краснодеревном производстве высокого класса. Из цельного дерева изготавливают напольные покрытия, предметы мебели, элементы отделки интерьеров, элитную сувенирную продукцию – статуэтки, рукоятки ножей, оружейные ложа и приклады, и многое другое. Шпоном отделывают высококачественные двери, раритетную мебель и высококлассные музыкальные инструменты.

Сапфир в королевской короне – вполне достойное название для инструментов Steinway & Sons, отделанных восточно-индийским палисандром. Дерево, вобравшее в себя жаркие лучи тропического солнца, придаёт изысканнейшие оттенки как внешнему виду, так и звуку рояля Steinway & Sons Crown Jewels Sapphire.

Насладиться изысканным видом и звуком рояля Steinway & Sons Crown Jewels Sapphire можно в Московской Галерее Стейнвей – МО, Красногорск, Ильинское шоссе, вл 1А, БЦ «Красногорск Плаза».
Телефон – (495) 280-02-41.








 
 
 

День Рождения Артиста Стейнвей - Барри Дугласа

Северная Ирландия – маленькая, красивая, как из сказки, страна. Население менее двух миллионов. 23 апреля 1960 года в столичном городе Белфасте родился Барри Дуглас, Артист Стейнвей, будущая гордость Северной Ирландии, разносторонний гений.

Но в детстве это никак не проявлялось. В детском саду он впервые услышал, как играют на пианино, и попросил такое у родителей. Пианино им одолжил сосед, и Барри начал заниматься в возрасте четырех лет, а когда ему исполнилось шесть, пошел в Музыкальную школу Белфаста.

Хотя мальчик проявил интерес сразу к нескольким музыкальным инструментам: он изучал игру на фортепиано, виолончели, кларнете и органе, но не стремился достигнуть уровня профессиональной игры ни на одном инструменте. А ведь это не лень, просто не талантливые педагоги – Учителями не являются, ибо надо уметь зажечь!

Талант Учителя – как олимпийский огонь, передаётся ученикам, и они также зажигают Таланты!

Ференц Лист был гениальным Композитором, Пианистом и Учителем. Ученик Ференца Листа Эмиль фон Зауэр стал Учителем Фелеситас Левинтер, а она зажгла Искру Божию в Дугласе. В 16 лет Барри стал учеником Фелеситас Левинтер и только тогда он начал по настоящему работать. В детстве он вообще хотел стать водителем грузовика, доставлять грузы в разные европейские страны и посмотреть мир. Но встреча с настоящим Учителем определила его выбор пути.

В 18 лет Дуглас получил стипендию для обучения в лондонском Королевском музыкальном колледже. В Лондоне он четыре года учился у Джона Барстоу, а затем брал частные уроки у Марии Курсио, ученицы Артура Шнабеля. Затем Барри учился в Париже у русского пианиста Евгения Малинина.

В 25 лет (1985 году) он выиграл бронзовую медаль на конкурсе имени Ван Клиберна в Техасе и главный приз Международного конкурса пианистов имени Паломы О'Ши в Сантадере, Испания.

В 1986 году Барри Дуглас стал победителем VIII Международного конкурса имени П. И. Чайковского.

В 1988 Дуглас снялся в фильме «Мадам Сузацка» в одной из ролей второго плана. Самому пианисту посвящён документальный фильм Би-Би-Си «Белфастская рапсодия».

В 1999 году Барри Дуглас основал и возглавил оркестр «Ирландская Камерата» и с тех пор успешно завоевывает международную репутацию дирижера. В 2000-2001 годах Барри Дуглас и «Ирландская Камерата» исполняли симфонии Моцарта и Шуберта, а в 2002 году представили цикл из всех симфоний Бетховена. В Театре на Елисейских полях в Париже Б. Дуглас и его оркестр в течение нескольких лет исполнили все фортепианные концерты Моцарта (Барри Дуглас — дирижер и солист).

В 2008 году Барри Дуглас успешно дебютировал как дирижер и солист с оркестром Академии Святого Мартина-В-Полях на Mostly Mozart Festival в Барбикан-центре в Лондоне.

Художественный руководитель Международного фортепианного фестиваля в Манчестере и Клэндбойского фестиваля.

Основа репертуара Дугласа — масштабные работы Листа, Брамса, Чайковского, Рахманинова, Прокофьева. Его исполнение отличается глубиной мысли, динамизмом и хорошим чувством формы. Среди его записей — «Картинки с выставки» Мусоргского, пять фортепианных концертов Бетховена, концерт «Воскресение» Кшиштофа Пендерецкого, премьеру второй редакции которого он осуществил.
 











 
 
 

Акустические открытия и изобретения Гельмгольца.

На протяжении всей своей научной деятельности ученый с большим интересом проводит исследования, связанные с физиологией слуха и психоакустикой. В 1849-1850-м годах ученый открывает явление акустического резонанса в полости (Резонанс Гельмгольца) и для анализа акустических сигналов создает специальный прибор — резонатор.

Резонатор Гельмгольца — медный сосуд сферической формы с открытой горловиной, изобретённый Гельмгольцем для анализа акустических сигналов, на основе наблюдаемых в нём явлений Гельмгольцем и Рэлеем разработана количественная теория резонанса данного типа.

В 1855 ученый становится руководителем кафедры анатомии и физиологии в Бонне. В этой должности, в 1856 году, плотно занимаясь физиологией ощущений и физическими основами акустики, ученый создаёт модель человеческого уха, позволяющую изучать влияние звука на орган слуха человека. В том же году Гельмгольц исследует комбинационные тоны, закладывает базис для изучения нелинейных искажений звуковых волн. Создавая теорию комбинационных тонов, Гельмгольц первым обращает внимание на нелинейность слухового тракта человека, в частности барабанной перепонки.

Между 1850 – 1870 годом (о точном времени нет сведений) Гельмгольц разрабатывает один из первых прообразов современного синтезатора, прибор, позволяющий электромеханическим способом получать звук необходимой частоты, при нажатии на соответствующую клавишу. В данный момент аппарат известен как «Большой аппарат Гельмгольца для соединения тембров из 10 гармоник» или синтезатор Фурье.

В процессе изучения характеристик звука именно Гельмгольц дает первое научное определение тембра, на которое исследователи этого свойства звука будут опираться в течение десятилетий.

«Тембр – это разница в музыкальном качестве тона (тембре) зависит только от присутствия и силы парциальных тонов (обертонов), и не зависит от разности фаз, с которой эти парциальные тоны вступают в композицию».

Среди учеников и партнёров Гельмгольца по исследованиям имена таких ученых как: В. Вундт, Г. Герц, Л. Больцман, И.М. Сеченов, Д. А. Лачинов, А.Г. Столетов, К.А. Тимирязев. Должности, которые занимал ученый, красноречиво говорят о его значимости для мировой и немецкой науки: директор Физического института, ректор Берлинского университета, президент имперского физико-технического института. О международном признании свидетельствует членство Гельмгольца в Британской, Пражской и Петербургской академиях наук.

При раз­ра­бот­ке мо­дели боль­шо­го кон­церт­но­го ро­я­ля D-274 и ря­да дру­гих мо­де­лей исполь­зо­ва­лись но­вей­шие по тем вре­ме­нам ис­сле­до­ва­ния в об­ла­сти аку­сти­ки, ко­то­рые про­во­дил зна­ме­ни­тый фи­зик, врач и акустик Гер­ман Гельм­гольц. . С 1875 го­да, ког­да Теодор Стейнвей (старший сын Генриха Стейнвея) по­лу­чил па­тент, тех­ни­чес­кие ха­рак­те­ри­сти­ки это­го инст­ру­мен­та оста­лись не­из­мен­ны­ми. Он обя­за­тель­но име­ет 274 см в дли­ну и 157 см в ши­ри­ну.

Сегодня принцип резонатора Гельмгольца активно используется при акустической обработке помещений, создании концертных залов, демонстрационных комнат, звукозаписывающих студий, безэховых камер, а также автомобильных глушителей.
 











 
 
 

Рояль с интегрированной звуковоспроизводящей системой Steinway & Sons Spirio - фортепиано XXI века!

Гениальному физику сэру Исааку Ньютону приписывают фразу: «Я увидел больше лишь потому, что стоял на плечах гигантов». Как часто бывает, что соединение знакомых и привычных – а подчас даже устаревших! – вещей и элементов даёт неожиданный результат и приводит к настоящему прорыву в будущее!

Безвестный мастер, первым догадавшийся скрестить фортепиано и музыкальную шкатулку, наверняка не предполагал, что плод его эксперимента не только проживёт долгую жизнь в качестве диковинки, но и станет родоначальником отдельного класса самоиграющих музыкальных инструментов. Впрочем, поначалу механические инструменты были, по сути, не более, чем игрушками, которые вполне успешно скрашивали часы досуга состоятельным людям. В этих инструментах в качестве элементов управления использовались игольчатые замки и перфорированная бумага или береста. И звук таких инструментов был скорее звуком шарманки, чем фортепиано. Такая «шарманочная» система лишь обозначала звуки, в игре отсутствовали нюансы, характерные для натурального исполнения. Возможно, поэтому, испытав расцвет в начале XX века, механические пианино через пару десятков лет были вытеснены магнитофонами и пластиночными музыкальными автоматами. Ведь слушатель, как показала практика, всё же предпочитает более качественную и живую музыку, чем та, что предлагала эволюционировавшая шарманка.

Однако, на этом история самоиграющих фортепиано не закончилась. Причиной тому – технический прогресс и развитие электроники. На смену хитроумным механизмам пришли компьютерные программы и роботизированные системы. Механические пианино получили второе рождение, на смену игольчатым замкам пришли электромагниты, а роль перфоленты стали выполнять медиа-файлы. Однако, сам звук инструмента – рояля с установленной системой звуковоспроизведения – так и оставался механистичным.

Революционность самоигровой системы Steinway & Sons Spirio в том, что для создания миди-файлов используются произведения, исполненные и записанные живыми музыкантами – артистами с мировым именем и признанием. А специально изобретённая и запатентованная система оцифровывает и воспроизводит музыку с максимальной точностью.

В отличие от других самоигровых систем Spirio передает все тонкости нюансировки и педализации. Иными словами, для Spirio имеют значение не только сами ноты, их высота и длительность, но и то, с какой страстью и вдохновением они сыграны.

Движения молоточков фиксируется в более, чем 1000 позиций, с частотой 800 сэмплов в секунду, а работа педалей в 256 позициях, с частотой 100 сэмплов в секунду. Таким образом, система Spirio обладает непревзойдёнными возможностями передачи звука живого исполнения. Качество самого рояля и мастерство исполнителя – факторы, которыми другие системы могут пренебречь, для Spirio имеют решающее значение. Вот почему для создания файлов для системы Spirio компания Steinway & Sons использует записи только широко известных признанных пианистов, а сама система устанавливается исключительно на фабрике Steinway непосредственно во время изготовления рояля.

Благодаря Steinway & Sons Spirio любой любитель фортепианной музыки может наслаждаться произведением в исполнении любимого артиста, не покидая собственной гостиной, не испытывая неудобств, связанных с дорогой к концертному залу или расположением места. И даже не умея играть, вы всё равно сможете порадовать своих гостей и домочадцев фортепианной музыкой. Всё, что вам нужно для этого – рояль Steinway & Sons Spirio.
 










 
 
 

Рояли и пианино Essex

Рояли и пианино Essex изготовлены на основе знаменитой системы Steinway. В их конструкции сочетаются новейшие разработки и проверенные временем инженерные стандарты, разработанные компанией Steinway & Sons за более, чем 160 лет своей деятельности. Придерживаясь концепции Steinway & Sons, инструменты Essex обладают наивысшим качеством среди инструментов своей ценовой категории, и доступны широкому кругу покупателей.

Обладая качеством Steinway, фортепиано Essex прекрасно подходят для обучения музыке, как детей, так и взрослых. Отличительной особенностью Essex является их прочность и долговечность, что необходимо в условиях
регулярных занятий за инструментом. Фортепиано Essex – это «рабочая лошадка» для учебных заведений и приятный компаньон для домашнего времяпровождения.

Насыщенный звук пианино Essex способен удовлетворить весьма искушённого слушателя, а разнообразие отделки позволит разместить инструменты Essex практически в любом интерьере.

Кроме того, приобретая фортепиано Essex, покупатель осуществляет надежную гарантированную инвестицию. Помимо сервисного обслуживания специалистами, обученными на фабрике Steinway & Sons в Гамбурге, компания предоставляет сертификат, дающий право в течение пяти лет обменять свой инструмент Essex на новый Steinway.

Любой желающий приобрести инструмент и получить консультацию специалиста может обратиться в фирменный салон-магазин «Московская Галерея Стейнвей» (STEINWAY PIANO GALLERY MOSCOW).

Салон находится по адресу: МО, г. Красногорск, Ильинское шоссе, 1А, БЦ «Красногорск Плаза»,
и работает каждый день с 11.00 до 18.00. Телефон: (495) 280-02-41.
 





 
     
 
 

15 февраля в Steinway Piano Gallery SPb состоялся совместный проект с «Империей музыки» - выступление Вазгена Вартаняна.

Пианист исполнил произведения Баха, Бетховена и Брамса.
 


 
 
 

Артист Стейнвей Владимир Горовиц и 1-й концерт П. И. Чайковского.

Владимир Горовиц, после окончания в 1920 году Киевской Консерватории, начинает концертировать в городах Советского Союза и накапливает гигантский по объёму репертуар.
В сентябре 1925 года Владимир Горовиц получил возможность уехать в Германию.
Перед отъездом Горовиц выучил и сыграл в Ленинграде 1-й концерт П. И. Чайковского.
В своих интервью он рассказывал, что отец, услышав в Ленинграде его исполнение концерта, сказал: «Это твой концерт. Ты должен его играть».

В Гамбурге к нему в номер гостиницы прибежал антрепренер и предложил заменить заболевшего солиста в Первом концерте Чайковского. Выступать надо было через полчаса.

Горовиц вбежал в зал, где дирижер только и успел сказать ему: «Следите за моей палочкой, и бог даст ничего страшного не случится». Уже через несколько тактов ошеломленный дирижер сам следил за игрой солиста, а когда концерт кончился, публика за полтора часа раскупила билеты на его сольное выступление. Так триумфально входил Владимир Горовиц в музыкальную жизнь Европы.

Благодаря этому сочинению, он прославился в Европе. Этот концерт сыграл в жизни пианиста «роковую» роль: всякий раз, добиваясь триумфа в странах Европы и Америки, Горовиц исполнял именно 1-й концерт П. И. Чайковского.
 




 
     
 

14 декабря в Steinway Piano Gallery SPb прошел мастер-класс и фортепианный класс-концерт Доцента СПб Государственной Консерватории Надежды Михайловны Эйсмонт.

В мастер-классе принимали участие ученики ДШИ им.С.В.Рахманинова Шатенева Елизавета, 9 кл., Одинцова Анастасия, 6 кл., класс преп. Толмачевой Ольги Ивановны. И ученик 3 класса ДШИ им. Е.А.Мравинского Скворцов Александр.

В концерте класса Надежды Михайловны участвовали студентки Васильева Полина, 2 курс; Васильева Александра, 4 курс; Абрамчук Дарья, 1 курс. Звучали произведения Л.- В.Бетховена, К.Дебюсси, Ж.-Ф. Рамо, Р.Шумана.

По завершении выступлений учеников и студентов Надежда Михайловна исполнила произведения С.В.Рахманинова.

 




 
 
 

9 декабря 2017.

В Steinway Piano Gallery SPb в рамках "Steinway-вечеров" прошел концерт лауреата международных конкурсов Павла Шатского (Москва).

Пианист исполнил "Симфонические этюды" Р.Шумана.

Павел Шатский

Музыкальные интересы пианиста широки и разносторонни. Глубоко интеллектуальный подход к интерпретации позволяет ему играть сочинения Д.Скарлатти, И.С.Баха, Й.Гайдна, В.Моцарта и Л. ван Бетховена, выстраивая глубокие и убедительные концепции. В то же время свежесть мысли и непосредственная искренность музыкального высказывания находят естественное воплощение в трактовках музыки романтизма. Современная музыка также не оставлена музыкантом без внимания — им исполняются произведения А.Шёнберга, Д.Лигети, Л.Берио, Дж.Солера, Г.Попова, А.Шнитке, А.Исаковой. Цикл Шнитке «Пять афоризмов» прозвучал в 1999г на концерте Павла в качестве российской премьеры.

Русская музыка представлена пианистом во всём её стилевом многообразии. Это и фортепианные миниатюры Дж.Фильда, А.Грибоедова, М.Глинки и их современников, и масштабные полотна периода «расцвета русского романтизма» (произведения М.Балакирева, П.Чайковского, С.Танеева, С.Рахманинова), сочинения А.Скрябина и наследие первой половины XX века (С.Прокофьев, С.Фейнберг, Г.Попов), творческие опыты «второй волны» русского авангарда и сочинения нашего времени.
 




 
 
 

5 декабря 1936 года родился Артист Стейнвей, американский пианист Джозеф Бановец.

Бановец учился музыке в Нью-Йорке, в Вене, а завершил своё музыкальное образование под руководством Дьёрдя Шандора.

Пианист выступал и записывался со многими оркестрами мира, в том числе и с российскими. Записал много альбомов с произведениями П.И.Чайковского, С.В.Рахманинова, М.А.Балакирева и других русских композиторов. В этой коллекции - целых 10 альбомов с произведениями А.Г.Рубинштейна.

Ему принадлежит также книга «Путеводитель для пианиста по искусству педали».

 


 
 

Изыск и темперамент – Steinway & Sons Crown Jewels Indian Apple

В коллекции фортепиано Steinway & Sons Crown Jewels особое место занимают инструменты, носящие название «Тигровый глаз» (Tiger Eye). Неповторимые и не повторяющиеся волнистые чёрно-жёлтые линии на корпусах роялей и пианино напоминают то раскраску экзотического зверя, то сполохи огня.

За основу оформления этих инструментов взят шпон дерева тинео.
Это дерево известно со средних веков. Произрастает оно в основном в возвышенных районах Чили и Аргентины, реже встречается в Венесуэле.

Тинео считается яблочным деревом, отсюда коммерческое название - индийская яблоня. Путаница возникает из-за того, что раньше к региону Карибского бассейна и Южной Америки применялось другое название – Вест-Индия. Так что название «вест-индская», или просто «индийская яблоня» - дань традиции.

Особую ценность имеет древесина дикорастущих деревьев, так как окультуренные экземлпляры, произрастающие в хороших условиях, имеют менее закрученный и деформированный ствол – и, как следствие, менее богатый рисунок на распиле.

Особую красоту индийской яблоне придает полировка. В эксплуатации тинео долговечный материал, очень устойчив к механическим повреждениям и различным химическим поражениям. Активно применяется в изготовлении дорогой мебели и престижных музыкальных инструментов.

Один из таких инструментов – рояль Steinway & Sons A-188 Crown Jewels Indian Apple находится в фирменном салоне Steinway & Sons в Москве на Кутузовском проспекте, 41.
И любой, кто пожелает, сможет своими руками прикоснуться к волшебству.
 





 
 
 

28 ноября исполняется 188 лет со дня рождения первого Артиста Стейнвей Антона Рубинштейна.

Пианист виртуоз, композитор, один из основателей Русского музыкального общества и первой в России консерватории.

Рубинштейн стал первым композитором, в творчестве которого сочинения для фортепиано заняли одно из ведущих мест и воплотили не менее крупные художественные идеи, чем его же симфонии или камерные ансамбли.
 


 
 
 

Карельская берёза – «Аквамарин» из коллекции Steinway & Sons Crown Jewels.

Карельская берёза (ice birch) – удивительное растение с уникальной древесиной исключительной красоты. Впервые это дерево было описано ещё в 1766 году форстмейстером Фердинандом Габриелем Фокелем, который по поручению царицы Екатерины II занимался исследованием лесных ресурсов северо-запада Российской империи.

Ценность древесины карельской берёзы определяется богатством золотистых тонов её рисунка – от темно-желтого до светло-кремового, - и причудливой текстурой, напоминающей мрамор. Кроме того, она обладает весьма высокой твёрдостью и прочностью. Благодаря такому удачному сочетанию эстетических и прочностных характеристик в России её даже именовали «царским деревом».

Карельская берёза – одна из аномальных форм, встречающаяся у берёзы повислой. В рощах, как правило, не растёт. Отличается узловатым широким стволом и раскидистой кроной, образуемой мощными скелетными ветвями. Широко распространена на Севере европейской части России, в частности, в Карелии – отчего и получила своё название. Также, в небольших количествах произрастает в Норвегии, Швеции, Финляндии, Белоруссии, Прибалтике. Растёт дерево довольно трудно, а живёт недолго – около 40-50 лет. Декоративность же древесины проявляется лишь на втором десятке лет жизни дерева. К тому же, не весь ствол этого дерева имеет одинаково красивую переливчатую текстуру. Обычно из всего ствола в дело идёт лишь четверть, и получаемые заготовки, как правило, имеют размер 50-150 см. Заготовки размером в 2-3 метра получаются довольно редко, считаются раритетом и среди мастеров ценятся буквально на вес золота.

Чтобы удовлетворить довольно высокий спрос на древесину карельской берёзы, в нашей стране ещё в 1930-е годы начали её искусственное разведение. В наиболее известном заповеднике «Кивач», находящемся в пределах охраняемой территории заповедника «Кижи» и по сей день занимаются её разведением и выращиванием. Однако, до конца разгадать причину возникновения «рисунчатой» структуры древесины учёные не могут до сих пор.

Ценителям роскоши и эксклюзива карельская берёза известна уже давно. Из неё делают декоративные фигурки, посуду, шкатулки, паркет и мебельный шпон. Например, мебель в салоне самолёта Президента Российской Федерации В.В.Путина изготовлена из карельской берёзы.

Рояли Steinway & Sons из коллекции Crown Jewels, оформленные шпоном карельской берёзы, носят название «Аквамарин». Эти инструменты наиболее полно воплощают само понятие роскоши, изысканно сочетая в себе музыкальные достоинства и эстетическую ценность.

Посмотреть и послушать рояль Steinway & Sons Crown Jewels Ice Birch можно в фирменном салоне роялей и пианино Steinway & Sons на Кутузовском проспекте, 41.
 









 

 

 

 
 

23 ноября 2017 исполняется 72 года Артисту Стейнвей Елизавете Ильиничне Леонской.

Первый концерт с оркестром дала в 11 лет, сольный — в тринадцать. В 1964 поступила в Московскую консерваторию. Ещё в годы учёбы получила несколько премий на крупных международных конкурсах: имени Джордже Энеску (Бухарест, 1964), Маргариты Лонг (Париж, 1965), королевы Елизаветы (Брюссель, 1968). Играла сонаты Моцарта в переложении Грига для двух фортепиано со Святославом Рихтером, который оказал решающее влияние на её развитие как пианистки. В 1978 г. покинула СССР. Живёт в Вене, преподает.

Исполняет музыку европейских романтиков, Глинки, Чайковского, Рахманинова, Шостаковича. Выступает с крупнейшими европейскими оркестрами и камерными ансамблями, ведущими дирижёрами Европы и США.

 


 
 

21 ноября 2017 года исполняется 60 лет польской пианистке, Артисту Стейнвей Эве Поблоцкой.

Эва Поблоцка начала учиться игре на фортепиано в пятилетнем возрасте, концертировала с 12 лет. Окончила Музыкальную академию в Гданьске. Лауреат международных конкурсов.

Гастролировала во многих странах мира, сотрудничала с ведущими европейскими оркестрами. Неоднократно представляла премьеры и осуществляла первые записи сочинений современных польских композиторов. Имеет обширную дискографию. Преподает в Музыкальной академии в Быдгоще и варшавском Музыкальном университете им. Ф. Шопена.
 



 
 

STEINWAY + BALDI = ARMONIA. Теперь и в России.

Компания Steinway & Sons совместно с итальянской компанией Baldi объявила о выпуске ограниченной серии уникальных роялей «Армония».

Новая серия роялей ARMONIA LIMITED EDITION by BALDI представляет собой результат творческого союза между Steinway & Sons и Baldi Home Jewels, известным итальянским производителем роскошной мебели и декоративных аксессуаров.

Высокохудожественные бронзовые орнаменты и барельефы, отлитые в восковых формах и отполированные вручную, установлены на рояли Steinway & Sons O-180 и B-211. Особый изыск украшениям придаёт полировка и
покрытие 24-каратным золотом.

Также, для оформления корпусов роялей используются полудрагоценные камни. Аметист, лазурит, малахит и рисунчатая яшма (тигровый глаз) порезаны на тонкие виниры, которые прикрепляются к поверхности фортепиано при помощи оригинальной техники Mosaico Russo – «Русская мозаика», в результате чего корпус инструмента производит впечатление вырезанного из цельного куска камня.

Рояли ARMONIA LIMITED EDITION by BALDI предлагаются в пяти различных моделях с такими мелодичными именами как: Acanto, Impero, Muse, Richelieu, Sherazad.

Каждая из моделей будет выпущена всего в 10 экземплярах.

Любой из роялей доступен для заказа в фирменных магазинах Steinway & Sons: Московской Галерее Стейнвей (Красногорск-Павшино, Ильинское шоссе, 1А, Тел.: +7 (495) 280-02-41) и в салоне на Кутузовском проспекте, 41 (Тел.: +7 (499) 249-29-39).
 


 



 


 
 

Концерт фортепианного дуэта.

18 ноября в Steinway Piano Gallery SPb состоялся концерт фортепианного ПетРо Дуэта при участии Анастасии Рогалёвой и Дмитрия Петрова .

В программе прозвучали:

«Славянские танцы» А. Дворжика Оп.46№6 и Оп.72 №2 (четыре руки)
«Норвежские танцы» Э. Грига Оп.35 №1,2.
«Венгерские танцы» И. Брамса 1я тетрадь № 1,2,3,5 (четыре руки)
Так же С. Рахманинов Сюита №2 Оп.17 (2 рояля)

 


 

 
 

Фортепианный класс-концерт с профессором И.В.Лебедевым

16 ноября в Steinway Piano Gallery SPb в рамках ежегодной совместной программы с СПб Государственной Консерваторией им.Н.А.Римского-Корсакова состоялся мастер-класс Заслуженного деятеля искусств России, профессора Игоря Викторовича Лебедева.

В мастер-классе приняли участие лучшие ученики Детской музыкальной школы № 22 Агамалян Полина (преподаватель Н.П.Кузьмина), Савтенко Елизавета (преподаватель Л.А.Красинова), Максимова Александра (преподаватель С.В.Спирова).

В фортепианном класс-концерте И.В.Лебедева выступали: Антон Кован (4 курс ИМТиХ РГПУ им.А.И.Герцена),Буй Илан (10 класс ССМШ при СПбГК), Гагарина Ангелина (2 курс СПбГК), Яковлева Надежда (3 курс СПбГК), Алексеева Анна (3 курс СПбГК).
 


 

 
 

Даниэль Баренбойм, пианист, дирижёр, Артист Стейнвей, родился 15 ноября 1942 г.

Даниэль дал свой первый концерт в Буэнос-Айресе в возрасте семи лет. Как пианист дебютировал в 1952 году в Вене и Риме. Первые записи Баренбойма относятся к 1954 году. В 1954 году Даниэль приехал в Зальцбург учиться дирижёрскому искусству у Игоря Маркевича. С 1956 года он жил в Лондоне, гастролировал и участвовал в пианистических конкурсах. В 1965 году стал руководителем Английского камерного оркестра и записал с ним как пианист и дирижёр все концерты Моцарта. Критики отмечают выразительность и осмысленность фразировки, серьезность интерпретаций, мужественность его игры.

С 1975 Баренбойм возглавлял оркестры Тель-Авива, Лондона, Парижа, Чикаго, Берлина, Севильи, Милана – воистину один из самых востребованных дирижёров мира.
 


 

 
 

Steinway&Sons и великолепный виски из коллекции Pride - Glenmorangie Pride 1974.

В этот вечер атмосфера на 9 этаже банкетного зала в Дизайн-отеле СтандАрт напомнила тихий рождественский вечер который сопровождался музыкой 70', звучали мелодии ABBA, Arabesque, Bee Gees, Boney M, а также дегустацией блюд и напитков.
В сопровождении бренд-амбассадора Glenmorangie Pride1974 , ведущего праздничного мероприятия Михаила Шаца , гости 9 этажа отеля СтандАрт под звуки рояля Steinway&Sons и мелодии “Waterloo” легендарного квартета «Абба» перенеслись в экзотические винокурни Шотландии и познакомились с лучшим виски.
Виски Glenmorangie Pride 1974 – это лучший образец серии Glenmorangie Pride, в которую вошли редкие и бесценные творения.
Своим появлением напиток обязан избранным мастерам Glenmorangie, которые посвятили 41 год бережной выдержке обеих его составных частей, а также опыту и творческому подходу Доктора Билла Ламсдена, главы отдела дистилляции и создания виски Glenmorangie, который искусно смешал обе порции в идеальной гармонии.
Проникновенный звук рояля Steinway&Sons 1912 года и виртуозная игра пианиста Дмитрия Сазонова располагали к раскрытию богатой палитры оттенков и полутонов эксклюзивного напитка.

Справка:

Pride 1974
Самый редкий, выдержанный и глубокий односолодовый виски, созданный на основе дистиллерии, виски Glenmorangie Pride 1974 – это кульминация серии Glenmorangie Pride, На протяжении 41 года спирты постепенно вытачивались, неторопливо созревая в лучших бочках из-под бурбона и хереса Олоросо.
Когда обе части достигли своего совершенства,мастера соединили их в удивительной гармонии.
Этот вдохновляющий союз привнес в виски неповторимую глубину и богатство вкуса, которые свидетельствуют о его длительном созревании. Плавность и изящество. Односолодовый виски, который не терпит сравнения.

Steinway&Sons
Всемирно известная компания-производитель фортепиано. Основана в 1853 году. С 1995 года входит в конгломерат Steinway Musical Instruments, Inc. Рояли Steinway & Sons с середины XX века стали фактическим стандартом в музыкальной индустрии, большая часть студийной звукозаписи осуществляется на роялях данной компании, и большинство крупных фортепианных концертов проводится с использованием роялей Steinway & Sons.

ABBA
Квартет, существовавший в 1972-1982 годах и названный по первым буквам имен исполнителей. Является одним из наиболее успешных коллективов за всю историю популярной музыки.
 






 

 
 

Лейф Ове Андснес - Артист Стейнвей.

Его родители преподавали музыку, и с ранних лет Лейф Ове играл на фортепиано. Играл понемногу, как бы шутя. Интенсивные профессиональные занятия начались только в шестнадцать лет в Бергене под руководством чешского педагога Иржи Глинки. Через год Андснес дебютировал на Бергенском фестивале, исполнив фортепианный концерт Грига.

Репертуар Андснеса: от Моцарта и Гайдна до Яначека и Бартока, но чаще всего он исполняет сочинения европейских романтиков, особенно Грига.

Четырежды лауреат Премии Грэмми, лауреат премии Хиндемита (1987), премии Грига (1990), премии Академии Киджи (2001), премии фирмы Граммофон (2002) и других наград.



 
 
 

Архив публикаций: 2018, 2017

     

     
Copyright © ООО Старт-Вест-94"